Attenti al signor Baker rappresenta una testimonianza del leggendario talento di Ginger Baker e costituisce un valido argomento per il suo titolo. (Foto: film di intoppo.) Il disturbo affettivo stagionale è iniziato all'inizio di quest'anno nel nord-est. Le giornate buie, corte e fredde non favoriscono la forma fisica per quelli di noi che non frequentano le palestre ma preferiscono invece allenarsi all'aria aperta. Personalmente, mi piace andare in bicicletta, ma non sono cordiale secondo una definizione ragionevole della parola. Non appena la mia attività preferita richiede un terzo strato di tessuti dell'era spaziale, mi ritiro nel seminterrato e metto la bici su una scarpa da ginnastica per un po' di spinning indoor che fa schifo. Quindici minuti dopo sembrano due ore fuori, quindi ho bisogno di una distrazione. L'anno scorso, ho appoggiato il mio iPad su un leggio e mi sono fatto strada tra documentari musicali su Netflix, YouTube e via cavo on-demand. Sembra che ce ne sia uno nuovo che vale la pena guardare rilasciato ogni mese o giù di lì ultimamente, ma qui ce ne sono 10 che penso siano buoni per farci arrivare tutti alla primavera.
Zitto e suona i successi (2012)
Ecco come ho capito che stavo invecchiando. Sono venuto a conoscenza per la prima volta di una band molto popolare chiamata LCD Soundsystem grazie alla notizia dell'allora imminente documentario del loro ultimo concerto in un piccolo posto chiamato Madison Square Garden. Questo schiaffo è stato più forte quando ho scoperto che il primo singolo degli LCD Soundsystem era I'm Losing My Edge, un esilarante meta-autoesame in cui il fondatore e frontman, James Murphy, si preoccupa nevroticamente per la sua credibilità in diminuzione, che era venuta attraverso la sua reinvenzione da un rocker indie per un DJ molto richiesto che ha messo insieme gruppi Krautrock degli anni '70 come Can con la Human League e Eric B. e Rakim. Sto perdendo il mio vantaggio per i ragazzi di cui sento i passi quando salgono sui ponti/Sto perdendo il mio vantaggio per i cercatori di Internet che possono dirmi ogni membro di ogni buon gruppo dal 1962. Ma nel testo c'è un l'autoconsapevolezza riguardo alla stupidità di tale agitazione, quindi diventa una canzone preoccupata dell'ansia che prova anche preoccupandosi della sua calma sbiadita. È stato un inno per i collezionisti di dischi che scavano casse che hanno visto la loro profonda conoscenza e gusto, accumulati nel corso di decenni, eguagliati in pochi mesi dai bambini. Tale autoironia rende il signor Murphy un affascinante e carismatico soggetto documentario, mostrato qui nel filmato dell'esibizione estatica del canto del cigno del suo gruppo, intervallato da scene candide che fanno pipì nel suo appartamento e nel quartiere di Brooklyn, e intervistato dallo scrittore Chuck Klosterman.
Ultimi giorni qui (2011)
Tutti conoscono una persona come Bobby Liebling. Molti ne hanno uno in famiglia; una persona che non può funzionare nelle costrizioni della normale vita quotidiana, ma che ha trovato una voce e uno sbocco in una forma d'arte prescelta. Potremmo persino credere che alcuni di quegli artisti che conosciamo siano tenuti in vita attraverso il loro lavoro, la loro dedizione davvero una questione di vita o di morte. Ultimi giorni qui segue un altro collezionista di dischi, questo un fan dell'heavy metal di nome Sean Pellet Pelletier, che scopre la band Pentagram dei primi anni '70 e diventa amico e manager di Mr. Liebling.
Sebbene Pentagram abbia l'anello di un nome familiare di una band metal ed era effettivamente noto ad alcuni fan più accaniti del cosiddetto stoner rock e doom metal, la band aveva sprecato alcune enormi opportunità nella loro carriera iniziale, lavorando duramente nell'oscurità per decenni. Apprendiamo che ciò è dovuto in gran parte all'atteggiamento intransigente e spesso irrazionale del loro leader, il signor Liebling. Quando i realizzatori lo raggiungono a metà degli anni 2000, è a malapena vivo, un guscio traballante con gli occhi da insetto contorto da anni di abuso di crack ed eroina, che vive nel seminterrato suburbano della Virginia dei suoi genitori molto solidali. Come nel film del 2009 Incudine! La storia di Anvil , la maggior parte degli spettatori può identificarsi con i soggetti su base puramente umana. Il fatto che suonino un tipo di musica che molti di noi potrebbero non apprezzare affatto serve in realtà a presentare la comunanza delle loro lotte in netto rilievo. Siamo testimoni dello stesso tipo di autosabotaggio deprimente visto in tutti i ceti sociali, ma sovrarappresentato nei musicisti. Tifiamo perché questo perdente prima resti in vita, poi conquisti i suoi demoni e ottenga anche un minimo di successo.
Attenti al signor Baker (2012)
Da un tipo che tutti noi sembriamo conoscere, a un tipo singolare di persona con cui spero nessuno di noi abbia a che fare, Ginger Baker, che è profilato nel titolo giustamente intitolato Attenti al signor Baker (tratto da un vero segno sulla sua proprietà). Rimanere in vita probabilmente non è stato un grosso problema per il signor Baker, anche se non sembra avere molta fortuna o desiderio di conquistare i demoni. Famoso per il suo ruolo nel supergruppo Cream, Mr. Baker, ampiamente considerato come uno dei migliori batteristi a tutto tondo in vita, proietta una forma particolarmente potente di malevolenza. come con Gli ultimi giorni qui, i registi affrontano l'argomento come fan in missione, anche se in questo caso si tratta semplicemente di ingraziarsi almeno abbastanza a lungo da far partecipare il signor Baker al racconto della sua storia. La cooperazione di Mr. Baker vacilla man mano che il film va avanti e mentre sembra preoccuparsi solo di se stesso. Ma mentre tracciano la sua storia, diventa evidente che i suoi demoni probabilmente derivano da malattie mentali. Ma è avvincente osservare questo artista, un vero avventuriero musicale, mentre viene coinvolto in progetti molto vari, che inevitabilmente finiscono in conflitti e persino violenze, e sfugge a ciascuno relativamente illeso, ma lasciando rottami - umani e non - nel suo sveglia.
ti mancherò (2005)
Austin, Roky Erickson, nativo del Texas, che ha guidato la Ascensori del 13° piano , probabilmente la prima rock band psichedelica americana, è una di quelle leggendarie figure marginali che si sarebbero adattate perfettamente ai testi di James Murphy per Losing My Edge. La storia della musica, e delle arti in generale, è piena di visionari che hanno lottato con la malattia mentale e l'automedicazione. Molti sono stati piuttosto famosi, ma ce ne sono altri come il signor Erickson, che, sebbene possano aver goduto di fama precoce e di un impatto duraturo, sono stati ostacolati lungo il percorso verso un successo più ampio a causa di lotte personali e talvolta reazioni eccessive kafkiane da parte delle autorità giudiziarie che ha fatto deragliare le loro carriere. Come con un altro artista visionario, il co-fondatore dei Pink Floyd, Syd Barrett, la storia della malattia mentale del signor Erickson è impigliata in un pollo e un uovo con l'uso di droghe ricreative. Uno ha causato l'altro? Come molti di questi film, voi ti mancherò è avvincente non solo per la sua attenzione al soggetto, ma anche per aver ampliato l'attenzione per includere le intuizioni dei membri della famiglia. Sbirciare nell'appartamento del signor Erickson e nella casa di sua madre sembra un po' voyeuristico, come guardare un episodio di accaparratori . Ma c'è cuore e compassione in questo film artistico che si adatta maggiormente alla tradizione del documentario del 1975 dei Maysles Brothers, giardini grigi, che gli impedisce di sembrare sfruttatore .
Una band chiamata morte (2012)
Ancora un altro argomento che potrebbe adattarsi ai racconti di collezionismo di dischi di Mr. Murphy, i Death erano una band di fratelli di Detroit che erano poco conosciuti ai loro tempi, ma le cui uniche registrazioni - singoli e demo tape pubblicati in modo indipendente - furono scoperte e ampiamente condivise via Internet decenni dopo da collezionisti affascinati dal suono proto-punk primordiale della band. È una storia affascinante su come David Hackney guidi i suoi due fratelli minori, Dannis e Bobby, a formare una band nella Detroit dei primi anni '70. Come bambini afroamericani che vivono a Motor City, iniziano a suonare il funk e l'R&B che ci si aspetterebbe di provenire dal tempo e dal luogo. Ma dopo aver visto spettacoli dal vivo degli Who e influenzato da altri rock dell'area di Detroit come Alice Cooper, gli MC5 e gli Stooges, la band inizia organicamente a scrivere e registrare una forma unica di rock aggressivo che presagisce il punk rock degli anni '70. , il funk punk di Rick James e l'hardcore punk degli anni '80. Certamente parte dell'interesse per la storia deriva dall'improbabilità di giovani ragazzi che suonano un tipo di musica che non si adatta ai preconcetti.
La musica in sé è davvero gratificante e senza tempo, non solo un pezzo curioso. Ma come con tutti questi film, non è necessario che ti piaccia la musica per trovare la storia avvincente. Una band chiamata morte paralleli Ultimi giorni qui con il suo ritratto di una famiglia solidale che lascia spazio a una forza creativa per seguire il suo percorso. E come con Bobby Liebling in Gli ultimi giorni qui, David Hackney aveva sprecato almeno una possibilità di portare la band a un altro livello. Nel caso di Death, sotto la guida del fratello maggiore, la band si rifiutò di cambiare il nome della band per volere del leggendario presidente della Columbia Records, Clive Davis. Il signor Davis aveva finanziato la registrazione iniziale della band e di conseguenza il suo supporto si è prosciugato. Ma il film ha una dolce coda che presenta i due Hackney rimasti e i loro figli che si godono la riscoperta della musica. È principalmente una storia sulla famiglia, e gli Hackneys emanano un calore che fa sì che lo spettatore attiri per loro ad ogni passo. Alcuni documenti rock sono ricchi di storia ma mancano seriamente di valore di produzione, 20 piedi dalla celebrità non è uno di loro. (Foto: Produzioni Tremolo.)
20 piedi dalla celebrità (2013)
Nel 2012, durante la ricerca di un libro che ho scritto, Rocks Off: 50 tracce che raccontano la storia dei Rolling Stones Stavo cercando un modo per contattare Merry Clayton, la cantante del classico degli Stones Gimme Shelter, e mi sono imbattuto in questo film, che all'epoca era ancora in produzione. Presenta la signora Clayton insieme ad alcuni degli altri migliori cantanti di sessione e di supporto dell'industria musicale. Ho inviato un'e-mail alla Tremolo Productions e ho ricevuto risposta dal regista, Morgan Neville, che è stato estremamente disponibile ed è diventato mio amico. Quindi, insieme all'argomento dei contributi relativamente inattesi dei cantanti su alcune delle registrazioni più famose di musica rock, soul e pop, stavo certamente già facendo il tifo per questo film al momento della sua uscita.
Ha superato di gran lunga le mie aspettative, che erano già state elevate dai precedenti lavori di Tremolo e Mr. Neville, inclusi documentari su Ray Charles, Iggy Pop, Johnny Cash, Stax Records, i cantautori del Brill Building e la scena di Laurel Canyon intorno al Troubadour discoteca di Los Angeles. In effetti, questo elenco potrebbe essere composto solo da questi preziosi documenti di Tremolo Production, che mi hanno sostenuto tutti per un paio di miglia in più sulla cyclette.
A differenza di molti dei film in questo elenco, con la qualità della produzione che varia a causa di vincoli di budget, 20 piedi sembra e suona stupendo, un ricco tableau contro il quale il signor Neville ottiene più di alcuni nomi di serie A, come Bruce Springsteen e Mick Jagger, per condividere i riflettori con alcune delle persone - Ms. Clayton; Lisa Fisher; Darlene Amore; la famiglia Waters tra loro, che ha aggiunto il colore (letterale) alle loro registrazioni. Ma è il pathos intorno ai vari gradi di ambizione, successo, fallimento e accettazione di queste persone nell'ombra che lo rende un grande film.
Nota a margine: nel 1993, la mia band, i Buffalo Tom, stava registrando ai Cherokee Studios di Los Angeles. Ho avuto una visione grandiosa per una nostra canzone particolare chiamata Treehouse, che includeva un arrangiamento di Stonesy di cantanti di sottofondo alla fine. All'epoca sembrava una mossa assurda per una rock band alternativa richiedere coristi professionisti. I nostri produttori, i Robb Brothers, che ci lavoravano dagli anni '60, si sono immediatamente guardati e hanno detto, all'unisono, le Waters Sisters! E il giorno dopo, le Waters Sisters erano alla nostra sessione, e lì stavamo arrangiando le parti di accompagnamento su una delle nostre canzoni. Sembrava un po' come un campo fantasy rock and roll. Solo più tardi ho saputo della loro sbalorditiva discografia, che includeva quella di Michael Jackson Romanzo giallo, come ho scoperto in questo film. Quindi ecco qua, una domanda banale: nomina gli unici musicisti che suonano con Michael Jackson e Buffalo Tom. Michael Oms ?
banchi di muscoli (2013)
Meno successo nel guardare le persone dietro le registrazioni famose è banchi muscolari, che è comunque degno di essere visto per il suo oggetto, come una piccola città lungo il fiume in Alabama è diventata un focolaio di dischi di successo durante gli anni '60 e '70 attraverso due studi, FAME Studios, e il suo ramo, Muscle Shoals Sound Studio. Rick Hall, che ha fondato FAME, merita gran parte del merito per aver creato una scena nel sud in cui i musicisti afroamericani e bianchi potevano letteralmente suonare bene insieme. Alcuni dei più grandi lati soul del sud sono stati tagliati con cantanti neri e band di supporto bianche. A Memphis, Booker T. & the M.G.s, un gruppo interrazziale composto da Steve Cropper, Donald Duck' Dunn, Booker T. Jones e Al Jackson Jr., si sentono suonare sulla maggior parte dei più grandi brani della Stax Records. Nel frattempo, in Alabama, come ha sottolineato Lynyrd Skynyrd, Muscle Shoals ha gli Swampers, un leggendario gruppo di ragazzi locali—David Hood, Roger Hakwins, Spooner Oldham, Barry Beckett e Jimmy Johnson—che ha sostenuto Aretha Franklin, Percy Sledge, Wilson Picket, gli Staples Singers e Arthur Alexander. Questi dischi hanno influenzato i Beatles, i Rolling Stones e innumerevoli altri, alcuni dei quali hanno fatto pellegrinaggi a Muscle Shoals.
Uno dei difetti del film, però, è che passa un po' troppo tempo sulla storia di Rick Hall, a volte accompagnata da inquadrature melodrammatiche di una sala contemplativa in un fienile o in sella a un trattore, che sembra una pubblicità del Viagra o qualcosa del genere. —e non abbastanza tempo con i musicisti stessi. La storia più gratificante qui è la cooperazione di musicisti bianchi e neri che creano insieme dischi senza tempo nel profondo sud al culmine dell'era dei diritti civili. Ma quella storia importante, che non è stata affatto senza tensione, è meglio raccontata nel libro essenziale di Peter Guralnick del 1986, Sweet Soul Music: Rhythm and Blues e il sogno meridionale di libertà . E banchi di muscoli non fa un buon lavoro discutendo i contributi dei musicisti dietro le quinte come il suo analogo nordico, In piedi all'ombra della Motown ha fatto nel 2002, che rimane l'alfiere di un primo documentario sui giocatori di sessione anonimi e le stanze magiche in cui hanno registrato. Non sono tanto le stanze, ma i giocatori.
Beats, Rhymes & Life: I viaggi di una tribù chiamata Quest (2011)
Penso che la maggior parte di noi fan della musica graviti verso i documentari che ci insegnano di più sugli artisti e sulle registrazioni che già conosciamo e amiamo. Il vero divertimento arriva con film illuminanti su argomenti di cui sappiamo poco. In genere non mi piace molto l'heavy metal post-1977, e non potrei nominare una sola canzone degli Iron Maiden, ma mi è piaciuto moltissimo imbattermi in Iron Maiden: Volo 666 (2009) in cui il loro cantante, Bruce Dickinson, in realtà pilota la band, l'equipaggio, i membri della famiglia e l'attrezzatura in un tour mondiale a bordo di un Boeing 757. Anche se non credo di aver mai sentito la musica dei Pentagram, potevo almeno divertirmi su alcune loro canzoni in Ultimi giorni qui . Ma la musica in entrambi sono solo lo sfondo delle storie umane che sono l'attrazione di entrambi.
Curiosamente, sebbene fossi a buon punto nei primi due dischi dei loro contemporanei e fratelli stilistici, De La Soul, sapevo solo relativamente poco della musica di A Tribe Called Quest prima che un amico mi mettesse il DVD in mano, insistendo perché lo guardassi. Anche se sicuramente mi ha fatto conoscere alcuni dei dischi che mi sono perso oltre ai famosi successi I Left My Wallet in El Segundo e Can I Kick It?, le parti avvincenti del film riguardano le relazioni tra i membri del gruppo e il modo in cui evolvere nel tempo.
Diretto dall'attore Michael Rappaport, è un altro atto d'amore di qualcuno che è chiaramente un fan della musica. Ma il film è tutto su Tribe, e secondo quanto riferito erano contenti del risultato, nonostante l'apparente controversia sulle modifiche finali e sui crediti di produzione . Originariamente era intitolato con la parola Fights al posto di Life, ma i combattimenti fanno davvero parte della loro storia e di qualsiasi band di lunga durata. Tuttavia, con l'aiuto di testimonianze di personaggi come Pharrell Williams, Mary J. Blige e i Beastie Boys, il regista esordiente fa un ottimo lavoro nel chiarire perché la musica innovativa creata dagli ATCQ si è distinta in un periodo particolarmente fertile nell'hip-hop . E possiamo testimoniare l'impatto duraturo che la loro musica ha avuto su centinaia di migliaia di fan mentre li seguiamo per un po' del loro tour di reunion del 2008. Sebbene fosse una sottocultura diversa dalla mia, mi ha fatto venire nostalgia dei primi anni '90.
Sottosopra: la creazione registra la storia (2010)
Più vicino alla mia esperienza, la nostalgia provata durante la visione di questo film era ancora più acuta. La mia band è entrata e uscita dal Regno Unito abbastanza dal 1989 al 1999. La Creation Records era già una forza significativa prima ancora che arrivassimo per la prima volta, con pubblicazioni seminali come il primo singolo di Jesus and Mary Chain e un EP del 1989 di My Bloody Valentine. Erano band che sfruttavano il rumore e le trame delle chitarre in una sorta di stile underground newyorkese, aggiornando i Velvet Underground e i Sonic Youth nelle isole britanniche. Il leggendario fondatore dell'etichetta Alan McGee avrebbe continuato a gestire la Jesus and Mary Chain mentre si spostavano rapidamente su altre etichette, incanalando gran parte dei soldi che guadagnava nella Creation e l'equilibrio per alimentare uno stile di vita che era edonistico, spesso di più, rispetto alle band dell'etichetta, il che sta dicendo qualcosa su un'etichetta che ha ospitato Primal Scream e Oasis. Non so perché ci sono entrato con aspettative un po' basse, visto l'argomento, ma sono rimasto un po' sorpreso di trovare questo documentario davvero eccezionale che ripercorre senza battere ciglio gli alti e bassi estremi di Mr. McGee e l'etichetta e il festa mobile di personaggi. La mia band era in tournée con i My Bloody Valentine durante il tour per supportare il loro capolavoro Senza amore LP (1991) che secondo quanto riferito ha quasi mandato in bancarotta l'etichetta, impiegando due anni e molte false partenze per completare. E qualche anno dopo siamo andati in tournée con i Teenage Fanclub, un'altra eccellente band della Creation, e abbiamo fatto alcuni spettacoli con i Boo Radleys dell'etichetta. Forse le mie aspettative più basse erano dovute al vedere qualcosa di così vicino alla mia esperienza mostrata come storia passata in un film, qualcosa che ho preso per significare che sono vecchio.
Vero Black Metal norvegese (2007)
In realtà sono a conoscenza di due documentari su questa peculiare sottocultura. Questo è arrivato per primo, prodotto da Vice Media e VBS.TV, e presentato in cinque parti in linea e ospitato da Ivar Berglin, un corrispondente vice-scandavo con sede a Stoccolma. Un altro film, Finché la luce non ci prende è una produzione americana uscita nel 2008. Entrambi si concentrano su un tipo di metal altamente teatrale quasi da fumetto, noto come black metal, che coinvolge musicisti in costumi elaborati e trucco che suonano una forma non del tutto sconosciuta di fast e low metal, con gutturali la voce su un ritmo brutale e martellante di doppia cassa di batteria e chitarre e basso distorti in staccato. Non sono sicuro di cosa distingua musicalmente il ceppo norvegese del Black Metal dal tuo normale Death Metal, ma poi sono solo un neofita con un palato dichiaratamente non sofisticato per questo genere di cose [Ed: start Qui ]. Le distinzioni dalla maggior parte dei thrash derivano principalmente da una filosofia generale a metà con parti uguali di mitologia norrena, nazionalismo standard, xenofobia e un'estrema opposizione alla maggior parte delle religioni, in particolare di tipo giudaico-cristiano.
Entrambi i film si concentrano sulle conseguenze di una serie di gravi crimini avvenuti negli anni '90 attribuiti a membri di veri membri della band NBM, non solo ai loro fan fuorviati, come siamo per lo più abituati qui negli Stati Uniti. I membri di varie bande hanno partecipato a omicidi, torture, incendi di chiese e suicidi. Che cosa? In Norvegia? Potresti pensare. Precisamente. Questa merda è un colpo.
Dei due film, ho preferito Vero Black Metal norvegese. Finché la luce non ci prende si presenta come un'indagine legittima su questa scena di sadsack, ma semplicemente non pone le domande difficili dei suoi protagonisti e il punto del film sembra quasi altrettanto vago quanto il dogma mal concepito vomitato dai neo-ribelli senza causa. Vero Black Metal norvegese, d'altra parte, è sfacciatamente affascinato dai suoi soggetti, in particolare da un veterano della scena, l'oscuro carismatico Gaahl, cantante dei Gorgoroth, che era stato recentemente in prigione e secondo quanto riferito ha pagato una multa salata di $ 20.000 per il pestaggio e la tortura di un ospite indesiderato. I realizzatori sembrano sinceramente spaventati quando salgono nel complesso ancestrale annidato su una collina che è stato di proprietà della sua famiglia... per generazioni, e manca di tubature interne. Gli americani potrebbero iniziare a sentire Dueling Banjos nelle nostre teste e pensare a hillbillies, ma invece sentiamo la colonna sonora inquietante con qualcosa che suona inspiegabilmente come un didjeridoo. Il presentatore Berlin appare alla telecamera per farci sapere che lui e la troupe sono stati i primi giornalisti a visitare, ed è stato piuttosto onorato, ma in realtà si sente piuttosto spaventato.
I nervi di questi ragazzi di 20 o 30 anni sembrano calmarsi un po' mentre si siedono a chiacchierare con Gaahl, sorseggiando dalla sua vasta collezione di vini. Naturalmente, molto di questo ha ancora più senso quando questo imponente neo-vichingo-sorta-satanista, che si veste come un mago/adolescente che ha resistito un po' troppo a lungo al club locale di Dungeons and Dragons, in seguito si rivela una moda gay progettista. Crescere gay con la passione per il trucco e i costumi sulle colline richiede un po' di autodifesa, non importa dove siano quelle colline. Tanto vale vestirsi e giocare a mostro. Non esegui Black Metal se non sei un guerriero, intona minacciosamente Gaahl in una scena, in cui parla di guidare le pecore. A recitare volentieri i ruoli di varie pecore qui ci sono i registi stessi.
