Giuditta che uccide Oloferne , Artemisia Gentileschi.Creative Commons La storia dell'arte può suonare come una festa di salsiccia. Dove sono tutte le signore? Sono nei dipinti, ovviamente, sia come una versione idealizzata di se stessi (nei ritratti formali), come oggetti del desiderio (nudi), come oggetti di venerazione (la Vergine Maria), come oggetti di interesse sadomasochista e religioso. (martiri di sante), come dee antiche (Venere o Diana), o come bersagli sessuali di divinità antiche (illustrazioni dal libro di Ovidio Metamorfosi ). Ma che dire dall'altra parte della tela? Fermati praticamente a chiunque per strada e chiedi loro di nominare una grande artista femminile, e probabilmente ti daranno un nome moderno, Marina Abramovic o Tracey Emin, forse. Ma potrebbero nominare qualcuno che ha vissuto prima della prima guerra mondiale?
Ho chiesto ad alcuni colleghi storici dell'arte, e anche loro hanno difficoltà a trovare più di una manciata di nomi (e hanno anche ammesso di ricordare i nomi, ma di non aver visto le opere degli artisti). Per fortuna, ci sono alcune importanti mostre che hanno portato alla ribalta le artiste premoderne negli ultimi tempi.
I newyorkesi avranno avuto la fortuna di partecipare l'anno scorso Vigée Le Brun: artista donna nella Francia rivoluzionaria al Metropolitan Museum of Art . Ma il nome più grande, e forse l'unica artista rinascimentale femminile di cui potresti aver sentito parlare, è attualmente presente in una mostra di successo a Roma: Artemisia Gentileschi e il suo tempo at the Museo di Roma at Palazzo Braschi.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) è famosa, ma soprattutto per ragioni sbagliate. Il suo è un racconto operistico di sesso e violenza, una vera tragedia di vendetta giacobina, che troppo spesso mette in ombra i suoi dipinti. Figlia primogenita di un famoso pittore, Orazio Gentileschi, si distinse subito come il talento di punta della famiglia, lavorando nello studio del padre a fianco dei fratelli. Perché suo padre, come tanti artisti con sede a Roma all'inizio del 1600, era intimorito dall'opera di Caravaggio: le sue tele drammatiche, realistiche, violente, dinamiche, illuminate dai riflettori, parlano di Roma, non assomigliando a nessun'opera che era arrivata prima di loro, anche lei ha ripreso questo stile e può essere considerata una seconda generazione dei Caravaggisti.
Lo stile di Caravaggio era così nuovo e popolare che gli artisti accorrevano per imitarlo, anche quelli formati nello stile accademico rivale e più affermato promosso dall'Accademia dei Carracci di Bologna, qualcosa che non poteva sopportare. Ha fatto causa, o minacciato e messo in atto violenze contro le persone che imitavano il suo stile (o gli faceva cuocere troppo i carciofi, come ha scoperto uno sfortunato cameriere). Eppure di tutti gli imitatori, solo due (almeno nella mia mente) si distinguono per aver eguagliato o superato lo stesso Caravaggio. Pur essendo un parere soggettivo (ma condiviso da molti), penso che Artemisia fosse al livello di Caravaggio, forse un A al suo A+ (la preferisco Giuditta Decapita Oloferne al suo, dal momento che sembra più una fantasia di vendetta di castrazione, che è ovviamente ciò di cui tratta la storia biblica). E l'unico artista che lo ha superato è stato probabilmente il ampiamente sottovalutato Ribera.
Mentre la storia della vita di Caravaggio è fatta di omicidi e caos, quella di Artemisia è altrettanto oscura. Sua madre morì quando lei aveva dodici anni, e fu vittima di gelosia per le sue notevoli capacità, spesso accusata di essere stata aiutata dal padre o dai fratelli. Ma il momento decisivo della sua carriera è stato, ahimè, terribile. Un pittore di nome Agostino Tassi, ingaggiato dal padre per farle da precettore, la violentò, insieme a un altro aggressore, Cosimo Quorlis. Un amico di Artemisia, un inquilino di famiglia di nome Tuzi, ha sentito le sue grida di aiuto, ma le ha ignorate.
Ma la storia si è complicata. Se Tassi, già sposato, dovesse sposare Artemisia, allora la faccia potrebbe essere salvata (tieni presente che questo era il 17questosecolo). Continuarono i loro rapporti sessuali, Tassi legando Artemisia insieme all'attesa del matrimonio. Suo padre, Orazio, lo sapeva ma taceva, per preservare l'onore della famiglia. Cioè, fino a quando non divenne chiaro che non ci sarebbe stato nessun matrimonio. A quel punto Orazio fece causa a Tassi, e un processo che destò grande interesse durò sette mesi.
Il processo è stato uno spettacolo dell'orrore, sia letteralmente che in termini di storie che ha suscitato in superficie. Tassi, venne fuori, aveva pianificato di uccidere sua moglie e aveva avuto altri amanti mentre andava avanti con Artemisia. In una pratica estremamente perversa, Artemisia è stata torturata per verificare la sua testimonianza, il presupposto è che avrebbe sopportato la tortura in nome della verità, o ammesso di aver mentito per sfuggirvi. A causa delle leggi del tempo, i Gentileschi non avevano alcun caso a meno che non potessero dimostrare che Tassi aveva preso la verginità di Artemisia, il che era simile a rovinare finanziariamente la famiglia Gentileschi, rendendo non sposabile la potenziale figlia portatrice di dote.
Il processo si è concluso in modo insoddisfacente, per non dire altro. Tassi è stato condannato a un anno di carcere, ma non ha scontato un giorno. Ma la storia di Artemisia è migliorata da quel punto oscuro in poi. Appena un mese dopo il processo, Orazio organizzò per sua figlia un matrimonio combinato che si sarebbe rivelato fruttuoso. Si trasferì a Firenze con il nuovo marito, Pierantonio Stiattesi, artista di poca fama, ma figura solidale. Hanno avuto una figlia e la carriera di Artemisia è sbocciata, ora fuori dall'ombra di Roma e della sua famiglia. Ricevette commissioni dai Medici di Firenze e da Carlo I d'Inghilterra. Fece amicizia con Galileo e fu la prima donna a entrare a far parte dell'Accademia delle Arte del Disegno di Firenze, fondata nel 1563 su iniziativa dell'artista, architetto e storico rinascimentale Giorgio Vasari.
Se non fosse stato per Vasari, avremmo perso le tracce delle pochissime artiste del Rinascimento. Vasari è noto soprattutto per aver scritto una biografia di gruppo di artisti, con edizioni nel 1550 e nel 1568, chiamata Vite dei più eminenti pittori, scultori e architetti . Questa è considerata la prima vera opera della storia dell'arte e le sue opinioni sull'arte in gran parte colorano il modo in cui consideriamo l'arte fino ad oggi. Sebbene Vasari sia vissuto una generazione prima di Artemisia, è grazie a lui che conosciamo alcune meravigliose artiste del Rinascimento.
Sofonisba Anguissola e le sue tre sorelle, Lucia, Minerva ed Europa, vivevano e lavoravano a Cremona. Di Sofonisba scrisse il Vasari: Io vidi in casa di suo padre un quadro di sua mano fatto con molta diligenza che mostrava le sue tre sorelle che giocano a scacchi, e con esse una vecchia serva, con tanta diligenza e attenzione che veramente sembrano vive e non mancano di nulla ma il potere della parola. Ha continuato scrivendo che ha mostrato maggiore applicazione e migliore grazia di qualsiasi altra donna della nostra età nei suoi sforzi di disegno; è così riuscita non solo a disegnare, colorare e dipingere dalla natura, a copiare eccellentemente da altri, ma ha creato da sola dipinti rari e bellissimi. L'elogio di Vasari per le artiste è tinto di un livello di misoginia, certo (sembra quasi sorpreso che lei, come donna, possa creare i suoi dipinti rari e molto belli). Ma ha riconosciuto il suo talento.
Gli Anguissola erano aristocrazia cremonese, il che si evince dal fatto che ebbero tempo per studiare pittura e per giocare a scacchi. Il padre, Amilcare Anguissola, non era un artista, a differenza della maggior parte degli artisti premoderni. Piuttosto era un padre ricco e amorevole che diede alle sue figlie un'istruzione brillante e incoraggiò le loro abilità nelle arti senza preoccuparsi della loro possibilità di matrimonio, un lusso che la loro ricchezza e nobiltà consentivano. Sofonisba si recò a Roma per incontrare Michelangelo, e in seguito divenne pittore di corte del re Filippo II di Spagna. Ha vissuto una vita lunga e ricca, incluso l'avvio del suo primo marito per sposare un capitano di mare, con il quale è rimasta per 40 anni. All'età di 92 anni, si sedette per un ritratto del giovane Antony Van Dyck durante il suo soggiorno a Genova.
Sofonisba è menzionata nel resoconto di Vasari di un'altra artista donna, Properzia de' Rossi di Bologna (perdonate a Vasari la sua misoginia, se volete - era piuttosto femminista da parte sua includere le artiste nella sua storia): Né [le donne] sono state vergognandosi di mettere le loro tenere mani bianche alle cose meccaniche, e tra la rozzezza del marmo e la ruvidità del ferro di seguire i loro desideri e darsi fama, come fece la nostra Properzia de' Rossi, una giovane donna abile non solo nelle faccende domestiche, ma in infinite forme di conoscenza che fanno invidia agli uomini come alle donne.
Properzia aveva una specialità francamente strana, ma notevole: poteva intagliare minuscole figure nei noccioli delle pesche. Una delle opere più intricate di Properzia consistette nell'incidere tutta la Passione di Cristo, lavorata in intagli più belli, con un numero vasto di figure oltre agli Apostoli e ai ministri della Crocifissione. Passion Pit di Properzia sarebbe un ottimo nome per un night club di artisti femminili.
Ma perché, esattamente, c'erano così poche artiste prima del 20?questosecolo? C'è una ragione ovvia, e una ragione un po' meno. La prima è che le donne hanno svolto solo un numero limitato di professioni fino alla Rivoluzione industriale, e in realtà negli anni '20questosecolo. L'artigianato, come la pittura e la scultura, era un lavoro quasi esclusivamente maschile, per nessun motivo particolarmente valido se non per l'abitudine. Le donne del Rinascimento erano solitamente suore, mogli e madri, prostitute, o avevano altri incarichi molto occasionali (infermiere, cameriere, dame di compagnia, lavandaie, sarte, ecc.)
La ragione meno ovvia ha a che fare con il sistema degli studi, che era in vigore e prevalente tra gli artisti fino alla Rivoluzione Industriale, e in alcuni casi oltre. La maggior parte degli artisti nel corso della storia si forma come apprendista, spesso a partire dall'età di 8 anni, vivendo e lavorando con un maestro. All'età di 16 o 18 anni, è stata data loro la possibilità di rimanere come assistente retribuito o di mettersi in proprio per formare il proprio studio. Per avviare il proprio studio, un giovane aspirante doveva sottoporre un capolavoro al ramo locale della corporazione dei pittori, una sorta di proto-unione che controllava la qualità e la quantità degli artisti al lavoro nella loro regione (chiamata comunemente Gilda dei San Luca, patrono dei pittori). Questa è la definizione corretta di capolavoro: l'opera con cui un artista viene giudicato, per stabilire se è abbastanza bravo da diventare un maestro e aprire il proprio studio.
Apprendisti e assistenti, che vivono e lavorano insieme 24 ore al giorno, potrebbero essere scomodi e non favorevoli al lavoro se la situazione fosse condivisa, considerando gli ormoni infuriati dei ragazzi di 12-16 anni. Quindi, a meno che una giovane donna non fosse abbastanza ricca da avere un insegnante d'arte assunto, o a meno che non fosse nella famiglia di un artista che lavora, non avrebbe la possibilità di praticare l'arte. Fino al 19questosecolo, quando i materiali d'artista iniziarono a essere prodotti in fabbrica, pigmenti, tele e pannelli erano costosi, spesso proibitivi, a meno che non fossero acquistati come parte di una commissione pagata. Quindi non c'era tradizione di fare arte solo per divertimento, a causa del costo che comportava. Quindi non sorprende che ci siano relativamente poche artiste famose prima dell'era moderna, quando il campo dell'arte, come la maggior parte delle professioni, si è aperto con un livello sempre crescente di uguaglianza.
Gli studi esistono ancora (considera Damien Hirst e Jeff Koons oggi, i due artisti più venduti nella storia, che progettano e supervisionano la creazione delle loro opere d'arte, ma in realtà non le realizzano da soli, il loro team di assistenti fa la maggior parte delle lavoro). Ma il vecchio sistema delle corporazioni si è dissolto con la rivoluzione industriale e l'arte non è più legata a un genere o all'altro.
Forse è ironico, ma giusto, che la stragrande maggioranza degli storici dell'arte siano donne. Sebbene le artiste delle epoche passate fossero poche e preziose, le donne guidano lo studio dell'arte con un enorme margine, ora, e sono più numerose degli uomini nelle principali case d'asta (anche se non sempre ai vertici). Quindi forse in futuro impareremo ancora di più sulle artiste del passato.
Questa è l'ultima in arti dell'osservatore nuova serie Segreti e simboli , dell'autore e storico dell'arte Noah Charney. Il suo prossimo libro parla di Giorgio Vasari e della sua influenza, e sarà pubblicato da Norton il prossimo autunno.
