Call Off the Requiem: il business della musica classica non è ancora morto

È chiaro che, almeno dai numeri, il business della musica classica è stato in difficoltà per un po' di tempo; quello che è meno chiaro è il perché. Gli esperti provenienti da diversi angoli del mondo dell'arte non mancano di spiegazioni o teorie su ciò che ha maggiormente contribuito al declino della rilevanza culturale del genere. (Il romanziere britannico Kingsley Amis una volta ha scritto che la colpa è della musica classica della fine del XX secolo, che afferma che la sinfonia moderna ha più possibilità di essere accettata dal pubblico quanto la pedofilia. Ahia.)

Ma la musica, secondo i più, non è il problema.

Secondo Aubrey Bergauer —che è stata chiamata 'lo Steve Jobs della musica classica' dai colleghi del suo settore per la sua capacità da Mida di girare intorno a orchestre pigre in perdita, invertendo le linee di tendenza vecchie di decenni che puntano verso un numero inferiore (e più vecchio) di possessori di biglietti— il problema è in realtà abbastanza semplice.

La musica in sé non è il problema, anzi è ciò che sappiamo fare meglio, è il nostro prodotto principale. Eppure così tante organizzazioni pensano che se cambiamo il prodotto, aiuterà la linea di fondo, ma non lo farà, ha osservato Bergauer, che di recente ha restituito le redini dell'area della Baia di San Francisco Sinfonia della California dopo aver scosso le cose con tattiche che si trovano più comunemente nelle startup e nelle aziende tecnologiche lungo la strada nella Silicon Valley. Il problema con la musica classica è tutto tranne la musica; in termini tecnologici, potremmo dire che la nostra 'UX', la nostra esperienza utente del cliente, generalmente fa schifo.

Mantieni quel pensiero; torneremo a Bergauer e alla schifosa UX della musica classica tra un momento.

Per prima cosa, facciamo un salto attraverso l'Atlantico a Varsavia, in Polonia, e diamo un'occhiata a quello che sta succedendo all'Orchestra Sinfonica della Radio Nazionale Polacca. Qui potresti trovare un direttore-compositore di nome Radzimir Dębski, che fa il nome d'arte Jimek (sì, un direttore con un nome d'arte), dirigendo contemporaneamente un'intera orchestra di 70 pezzi e lanciando bombe nello stile di Funkmaster Flex, navigando in quello che è stato chiamato il più grande successo crossover nella storia della musica classica —un tour vorticoso di 10 minuti attraverso quasi 30 di alcune delle melodie più caratteristiche dell'hip hop.

Dopo l'apertura con Swimming Pools (Drank) di Kendrick Lamar, Jimek guida l'orchestra attraverso alcuni dei classici inni rap di 2Pac, Jay-Z, A Tribe Called Quest, Kanye West, 50 Cent e, naturalmente, i Beastie Boys; tuttavia, la folla visibilmente impegnata dei frequentatori di concerti arriva quando lo xilofonista residente nella sezione delle percussioni inizia a inquadrare il tema di Get Ur Freak On di Missy Elliott.

Jimek, a quanto pare, pensa che la musica classica debba essere rinnovata. Tony Woodstock, l'ex presidente del New England Conservatory of Music e attuale decano ad interim della School of Music presso la School of the Arts della University of North Carolina, tenderebbe ad essere d'accordo, sostenendo in un editoriale per HuffPost che il campo della musica classica in generale è particolarmente resistente alla nozione di innovazione perché non ce n'è stata praticamente nessuna negli... ultimi 100 anni.

La religione organizzata e le funzioni religiose sono cambiate maggiormente nello stesso periodo di tempo, ha concluso.

Nel circuito dei club e delle discoteche, Traghetto Corsten , il famoso DJ olandese trance, sta sperimentando sempre più con progressioni di accordi classici e suoni ispirati all'orchestra nella sua musica, che è stata costantemente in cima alle classifiche dance negli Stati Uniti e in Europa nell'ultimo decennio. Il suo ultimo progetto mira a portare quella sinergia tra generi a un altro livello, creando la prima sinfonia tecnologica.

Credo fermamente che se Mozart fosse vivo oggi, comporrebbe trance, ha detto Corsten in un'intervista con Braganca dal suo studio di registrazione a Rotterdam. La musica classica nel suo senso tradizionale può perdere un passo con il pubblico, ma il suo DNA è molto vivo nella musica elettronica. Sospetto che i due generi tenderanno ad avvicinarsi sempre di più nei prossimi anni man mano che le orchestre inizieranno ad abbracciare la nuova tecnologia, mentre cercano nuovi modi per connettersi con una nuova generazione di pubblico.

Si sente spesso dire che alcuni artisti mainstream popolari hanno una formazione classica, un complimento un po' ambiguo inteso a trasmettere che un cantante o un musicista può effettivamente leggere la musica. Ma sempre più artisti che hanno imparato a suonare uno strumento orchestrale sono alla ricerca di modi per infondere le loro performance con il loro classico set di abilità. Forse il più grande esempio di questa infusione classica nella Top 40 di Billboard è l'uso espressivo del suo flauto da parte di Lizzo durante le pause di successi come Juice e Truth Hurts.

Quindi sembra che, almeno ai margini, i generi musicali classici e più attuali si stiano impegnando nella loro versione del grande scambio colombiano , influenzandosi a vicenda e abbattendo i silos che hanno tenuto separati questi generi per decenni.

Ma per le sale da concerto e le sinfonie professionali di tutto il mondo, il cambiamento sta avvenendo a passo di lumaca e dovrà avvenire prima piuttosto che dopo, poiché il sostegno del settore pubblico per i medi diminuisce e una classe patronale che invecchia muore.

Come industria, siamo incredibilmente insulari; dobbiamo guardare al di fuori del nostro campo per l'ispirazione e l'innovazione, ha detto a Braganca la dott.ssa Nancy Uscher, preside dell'Università del Nevada, College of Fine Arts di Las Vegas. Non possiamo fare affidamento esclusivamente sulle vestigia del passato. Dobbiamo capire come ampliare ciò che siamo senza danneggiare ciò che abbiamo. L'obiettivo dovrebbe essere: suonare Mozart e Beethoven come se l'inchiostro fosse ancora bagnato.

Uscher crede che l'unico modo per cambiare il modo in cui opera la musica classica sia scuoterlo dall'interno. I grandi donatori hanno tutte le carte in regola, osservò Uscher. Se dovessero legare lo sperimentalismo e l'assunzione di rischi ai finanziamenti, vedresti abbastanza rapidamente alcuni cambiamenti piuttosto drammatici nel settore. La comunità della musica classica non innova finché non ci sono incentivi finanziari per farlo.

Quasi tutte le orchestre statunitensi operano regolarmente in rosso. Il reddito guadagnato dalla vendita dei biglietti di solito rappresenta meno del 50% del budget operativo di un'organizzazione di arti dello spettacolo musicale. Anche una casa piena, notte dopo notte, generalmente non va bene, poiché le entrate dei biglietti saranno eclissate dal costo delle vendite, dai budget operativi della struttura e dalla paga dei musicisti. Per quanto brutta possa essere la verità, a differenza delle loro controparti europee che sono ampiamente sovvenzionate da enti governativi nazionali e locali, le orchestre americane sono praticamente da sole; Sovvenzioni del National Endowment for the Arts (NEA) sono stati così evirati negli ultimi anni da non avere un impatto sostanziale sul conto economico della maggior parte delle grandi orchestre.

Alcune delle migliori sinfonie del paese, come quella vincitrice del Grammy Award Minnesota Orchestra , guidato dal direttore musicale finlandese Osmo Vänskä e presidente Michelle Miller Burns , hanno compiuto sforzi straordinari per forzare l'innovazione e l'assunzione di rischi. All'inizio di quest'anno, un battaglione di musicisti e personale di supporto (incluso il rapper Questi , incorporato come corrispondente che riporta il viaggio per la radio pubblica sotto l'hashtag #dessainsafrica ) è partito per un tour di cinque città del Sudafrica, segnando la prima visita nel paese di un'orchestra statunitense professionale, come parte della celebrazione mondiale del centenario di Nelson Mandela. Il recente viaggio della Minnesota Orchestra in Sudafrica è arrivato sulla scia di un simile scambio culturale a Cuba nel 2015.Minnesota Orchestra

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Per Miller Burns, il tour non riguardava l'impartire una particolare tradizione culturale a un'altra. Il tour ha riunito artisti sudafricani e americani e la loro musica, offrendo straordinari scambi musicali con gruppi di studenti in auditorium di grandi dimensioni in college, municipi e chiese, ha spiegato. Per i membri della nostra orchestra, si trattava tanto di imparare e assorbire quanto di condividere. Michelle Miller Burns è il presidente della Minnesota Orchestra, vincitrice del Grammy Award, che ha attivamente cercato partnership e sedi innovative per ampliare la portata e la rilevanza della sua organizzazione.Josh Kohanek

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Questo tour innovativo non è stato il primo del suo genere per la Minnesota Orchestra; nel 2015, l'organizzazione è diventata la prima orchestra professionale degli Stati Uniti a esibirsi a Cuba da quando gli Stati Uniti e la nazione insulare hanno iniziato a normalizzare le relazioni durante gli ultimi anni dell'amministrazione Obama.

Il leggendario musicologo e acuto osservatore della scena musicale professionale Robert Freeman loda sforzi come orchestre che girano il mondo in luoghi inaspettati, evitando i tradizionali pit stop a Vienna e Berlino, così come quelli che sperimentano colonne sonore dal vivo e altri disegni unici finalizzato a coltivare l'interesse di una nuova coorte di acquirenti di biglietti per concerti. Tuttavia, secondo Freeman, il problema prioritario che deve affrontare la musica classica è più a monte; Freeman avverte che un eccesso di musicisti professionalmente preparati è ciò che sta facendo pressione sull'industria dall'interno: troppa offerta per una domanda abbastanza limitata.

Le scuole di musica addestrano i loro musicisti in modo troppo ristretto, Freeman, l'ex capo di lunga data del famoso Eastman School of Music , ha detto all'osservatore. I conservatori devono insegnare ai musicisti a diventare imprenditori e questo, a sua volta, si tradurrebbe in un modo più dinamico e creativo di pensare a cosa significhi essere un'orchestra classica a metà del 21° secolo.

Secondo un funzionario Rapporto NEA , ci sono 1.214 orchestre negli Stati Uniti, anche se i loro budget possono variare da soli $ 1.000 all'anno al budget operativo annuale relativamente consistente della Los Angeles Philharmonic, che arriva a $ 120 milioni . Ma, di tutte quelle organizzazioni musicali, solo una dozzina circa può permettersi di pagare i propri musicisti $ 50.000 all'anno o più. Ci sono davvero meno di 1.000 posizioni musicali professionali a tempo pieno negli Stati Uniti, ha osservato Freeman, che è anche l'autore del seminale richiamo al mondo della musica professionale, La crisi della musica classica in America .

In altre parole, ci sono più posizioni a tempo pieno nei roster delle 32 squadre di calcio professionistiche della NFL di quante ce ne siano di musica professionale a tempo pieno nelle orchestre statunitensi.

Il che ci riporta al prodigio del settore della musica classica, Aubrey Bergauer, che ha usato un playbook della Silicon Valley per trasformare una neonata orchestra nella Bay area. Il suo sviluppo di un robusto kit di strumenti con metriche chiave delle prestazioni, un focus simile a un laser sull'esperienza dell'utente e la sperimentazione iterativa ha fatto miracoli in girando intorno alla California Symphony . Nei suoi quattro anni al timone, le vendite dei biglietti sono aumentate del 70%, i donatori sono quasi quadruplicati e la sinfonia aggiunge, non sottrae, spettacoli per stare al passo con la domanda.

Sebbene Bergauer creda che la musica classica non sia necessariamente in punto di morte, concorda sul fatto che l'industria sia certamente a un bivio; Bergauer crede che alcuni troveranno il loro punto d'appoggio innovando o copiando ciò che funziona altrove e personalizzandolo e implementandolo nei loro mercati nazionali. Altri, purtroppo, reagiranno troppo lentamente ai cambiamenti demografici, o presteranno scarsa attenzione alle richieste degli utenti, e alla fine potrebbero piegarsi. Aubrey Bergauer ha portato la mentalità della Silicon Valley nella musica classica e ha trovato il successo.I Morrison

Bergauer ha condiviso con Braganca una 'Top 10 Check List' di idee che tutte le principali orchestre professionali dovrebbero (almeno) studiare o contemplare mentre orientano il loro marketing e la loro sensibilizzazione verso i Millennial e la Generazione Z e iniziano a ripensare alla loro programmazione e alle loro operazioni.

1. Mescolalo!

A differenza di un'opera, che ha un determinato numero di atti che devono essere eseguiti, Bergauer non capisce perché più orchestre non stiano mescolando e abbinando pezzi contemporanei con attese classiche, e magari inserendo un divertente pezzo crossover o due. ' Per lo più Mozart Le serie di tipi hanno così poco senso per me: variare la programmazione. Trova qualcosa per tutti in ogni esibizione, consigliava Bergauer.

2. Abbandona la politica anti-telefono draconiana

Le orchestre sono notoriamente spietate con i clienti che tirano fuori i loro telefoni e iniziano a filmare o scattare foto, ma basta guardare quanti telefoni sono fuori in qualsiasi altro tipo di concerto. I fan della musica classica, secondo Bergauer, vogliono Facetime Live e 'Insta' la loro esperienza tanto quanto qualcuno a un concerto di Jay-Z. È marketing gratuito: milioni di impressioni perse senza una buona ragione, ha esclamato.

3. Servire alcol

La musica è intrattenimento; lascia che i frequentatori di concerti si godano una libagione o due (o tre) nella sala da concerto mentre si godono l'esibizione. (Ma forse evita i drink con ghiaccio.)

4. Jumbotron

La maggior parte delle persone non è dotata di binocoli da teatro, quindi perché le sale da concerto non implementano monitor a grande schermo che mostrano tutta l'azione? I fan adorerebbero vedere una visuale ad alta definizione delle gocce di sudore che colano lungo la fronte del violinista di prima sedia proprio prima del grande assolo. (Siamo tutti molto meglio in 4K comunque, giusto?)

5. Dai al pubblico un po' di contesto

Bergauer ha scoperto che molti spettatori per la prima volta non potevano nemmeno nominare tutti gli strumenti di base di un'orchestra. Non hanno familiarità con il vocabolario musicale italiano così diffuso nei programmi dei concerti. Non sottovalutarlo; invece educare. Consenti al conduttore di insegnare e condividere con il pubblico ciò che sta per ascoltare, cosa cercare e ascoltare e forse un po' del retroscena.

6. Incoraggiare gli applausi e il coinvolgimento del pubblico

Secondo gli studi di Bergauer, ben il 90% dei partecipanti a un concerto di musica classica non torna mai, e lei ragiona che molti hanno trovato l'esperienza inavvicinabile. Le regole della casa non dette sulla tosse o su quando applaudire sono una grande svolta per il pubblico più giovane. Le orchestre devono trovare modi per coinvolgere il pubblico durante l'esibizione e farlo sentire a proprio agio e libero di esprimersi.

7. Coltiva un approccio più onesto al fallimento

Bergauer sente che molte orchestre hanno la testa sotto la sabbia quando si tratta di autocritica. Non c'è molta condivisione di informazioni veramente onesta tra i leader del settore, penso, perché l'intera cultura è quella di ottenere finanziamenti, ha affermato Bergauer. Siamo formati, qualunque sia il progetto, per inquadrarlo come un successo. E questo non è utile perché sappiamo che non tutto è sempre un successo. Di conseguenza, come industria, abbiamo un dialogo molto incentrato sull'interiorità.

8. Sviluppa siti web ottimizzati per i dispositivi mobili

Bergauer afferma che è incredibile che nel 2019 ci siano ancora molte orchestre senza versioni ottimizzate per dispositivi mobili dei loro siti web. Parliamo di una svolta verso un Gen Zer o un Millennial, ha commentato Bergauer.

9. La diversità non è solo sul palco

Bergauer vede che troppe orchestre vedono la diversità attraverso il prisma di chi si esibisce sul palco o quali compositori scelgono di suonare, ma molte hanno molto lavoro da fare per assicurarsi che il pubblico rispecchi lo stesso livello di diversità.

10. Non gestire per aneddoto

Troppe orchestre si piegano e si inchinano sulla base delle opinioni di membri del consiglio particolarmente supponenti o di mecenati irascibili che minacciano di cancellare i loro abbonamenti se non gradiscono alcune delle sperimentazioni in corso. Gestire con i dati, non da chi ha la voce più alta, ha avvertito Bergauer. Troppe volte i leader delle orchestre professionali sono ostacolati da membri del consiglio molto influenti. I leader devono coltivare consigli di amministrazione che condividano il loro stesso atteggiamento nei confronti dell'assunzione di rischi e della gestione basata sui dati.

Coloro che sono in prima linea in questa battaglia hanno il non invidiabile compito di lavorare per preservare e salvare la tradizione della musica classica mentre, quasi paradossalmente, cercano di aggiornarla per il pubblico del 21° secolo. Non è un compito facile, ma con leader visionari come Aubrey Bergauer e Michelle Miller Burns, per non parlare di disgregatori come Jamik, Ferry Corsten e Lizzo che sfidano ciò che è e non è nel dominio della musica classica, l'intero ecosistema sembra pronto per un grande cambiamento negli anni a venire.

Per quanto riguarda l'esperienza concertistica del futuro, Michelle Miller Burns della Minnesota Orchestra l'ha riassunta come segue: più spontaneità e sorpresa, una maggiore connessione con la comunità e probabilmente meno struttura e formalità.

In altre parole, tira fuori il telefono, batti le mani quando lo spirito ti muove e non dimenticare di prendere un mojito prima di sederti.

E goditi la musica.