Sam Poon, il batterista Anthony Genovesi, Jakeim Hart e Gian Perez in cantare in strada .Matteo Murphy Il film di formazione dello sceneggiatore e regista John Carney sui ragazzi di Dublino degli anni '80 che si fanno strada verso la liberazione personale è uscito nel 2016 e meno di quattro anni dopo è un musical Off Broadway. Deve essere un nuovo record di velocità su terra per adattare una proprietà dallo schermo al palcoscenico. Basato sul tenue e deludente cantare in strada al New York Theatre Workshop, tuttavia, il team creativo avrebbe dovuto impiegare più tempo, fallire di più e imparare dai propri errori. La maggior parte di ciò che è fresco e accattivante nel film (che è allegramente stereotipato) è stato perso in una cornice teatrale plumbea che priva l'ambiente, il personaggio e la produzione musicale di qualsiasi tensione o fascino.
Nel rappresentare un gruppo eterogeneo di emarginati brufolosi irlandesi che formano una band, si esercitano nelle loro canzoni in camere da letto e garage e poi si preparano al Big Show, il film ha notevoli vantaggi. Innanzitutto, puoi scegliere dei veri adolescenti in tutta la loro goffa gloria, non un gruppo di attori leggermente troppo vecchi e troppo raffinati per essere pienamente convincenti. Il film cattura anche il periodo e la classe in modo più efficiente rispetto al libro disinvolto e sfocato di Enda Walsh. Nel film originale, i problemi finanziari della famiglia costringono il ceto medio Conor a trasferirsi da una scuola privata elegante a uno squallido istituto operaio gestito dai Christian Brothers. I combattimenti e il bullismo lì, da parte di studenti tanto quanto preti abusivi, conferiscono alla situazione di Conor un aspetto brutale e classista. Ma Walsh e la regista Rebecca Taichman evitano le possibilità luride e grintose, con il risultato che la nuova situazione di Conor è semplicemente scomoda, non da incubo.
La trama si mette davvero in moto quando Conor (Brenock O'Connor) spia la bellissima e giovane Raphina (Zara Devlin), in piedi in un angolo con gli occhiali da sole e un aspetto incredibilmente figo. Immediatamente colpito, fa quello che farebbe qualsiasi ragazzo dal sangue rosso nel 1982: le dice che la sua band sta girando un video musicale e lei vorrebbe farne parte? Certo, ora deve darsi da fare per formare una band. Ancora una volta, il processo di reclutamento di musicisti dilettanti è stato bizzarro e vincente nel film; qui, è meccanico, con Walsh che non riesce a individuare i membri della band oltre i tic pigri: uno ha i baffi, un altro vuole i baffi, un terzo vuole sembrare un pappagallo. In confronto, i distruggi-chitarra si dilettano in Scuola di rock erano praticamente cechoviani. Il fratello bruciato e agorafobico di Conor, Brendan (Gus Halper) si avvicina di più a una figura completamente incarnata sul palco, e ottiene il grande finale catartico, ma sembra un ripensamento. Devlin ha un carisma abbondante e un delizioso vibrato che ricorda Kate Bush, ma lei, come tutti, è oscurata dalle battute compiaciute di Walsh (cazzi ricorrenti sul drammaturgo irlandese John Millington Synge che non vanno da nessuna parte).
Le canzoni, di Gary Clark e Carney, sono numeri originali che incanalano abilmente il pop synth-heavy e la New Wave degli anni '80, e il cast sembra divertirsi a fare jam fine a se stesso. Le sezioni del concerto sono piacevoli, con la band che picchia i propri strumenti o che fa il broncio e si pavoneggia davanti alla telecamera. Ma a proposito di quegli elementi del video musicale: il manager della band, Darren (Max William Bartos) è il capo cameraman, che organizza riprese a budget ridotto con Raphina e i ragazzi. Lo scenografo Bob Crowley ha posizionato un grande schermo al centro del palco, sul quale è stampata una grande immagine del mare aperto (un segno piuttosto schietto di evasione). Lo schermo sembra uno spazio invitante per la proiezione di video dal vivo o forse per riprese fantasy: l'immagine di sé speranzosa della band. La mancanza di video nella scenografia sembra una scelta zoppa e controintuitiva.
Ma poi, l'approccio generale di Taichman alla storia è frustrantemente esitante. Piuttosto che optare per il realismo teatrale di Billy Elliot o la stilizzata costruzione del mondo di Risveglio di primavera , sceglie un'estetica essenziale e di presentazione. Gli attori fungono anche da musicisti, guardando da bordo campo quando non sono in una scena. Non ci sono quasi nessun set o spunto visivo per alleviare il palato opaco e fangoso: la tonaca nera di un prete, le uniformi scolastiche grigie, quella distesa di mare statica e noiosa sullo sfondo. Un minimalismo così provocatorio inizia a sembrare una mancanza di immaginazione e coraggio.
Forse non dovresti provare a fare un musical d'essai decostruito da un film così profondamente convenzionale e romantico come cantare in strada . A meno che i produttori non siano disposti a sprofondare milioni in una sontuosa versione di Broadway a colori, magari con attori adolescenti e adulti come loro futuri doppelganger fantasy? vuoi un musical che funzioni e dia gioia. Senza dubbio il New York Theatre Workshop è affamato di un'altra vacca da mungere da trasferire a Broadway, come to Una volta (anche un film di Carney) ha fatto qualche anno fa. Ma questo è un lavoro urgente con lo scrittore di libri sbagliato e il team di progettazione. Uno dei brani più accattivanti della colonna sonora è un rocker della libertà chiamato Drive It Like You Stole It. Potrebbero aver rubato il veicolo giusto, ma nessuno può metterlo in prima marcia.
