La sposa cadavere di Tim Burton e Mike Johnson, da una sceneggiatura di John August, Pamela Pettler e Caroline Thompson, con musiche originali di Danny Elfman, segna il ventesimo anno degli sforzi costantemente eccentrici di Mr. Burton con film che hanno trovato il favore del pubblico giovane , e con ammiratori di tutte le età per le tendenze strane, morbose e decisamente strane nel suo lavoro. A livello di consulente dei consumatori, lasciatemi dire prima che Corpse Bride è di gran lunga superiore artisticamente a Charlie and the Chocolate Factory di Mr. Burton, uscito all'inizio di quest'anno. Tuttavia, nonostante tutti i suoi meriti, La sposa cadavere mi deprimeva immensamente. La verità è che alla mia età, mi trovo troppo vicino ai segni della mortalità per apprezzare le allegre avventure del signor Burton nel cimitero. Forse dovrebbe essere ideato un sistema di valutazione per gli spettatori più anziani come me per proteggerci dai capricci pratici di Mr. Burton sugli scheletri ossuti con i vermi negli occhi. Ora, a metà degli anni '40, il signor Burton non ha mai superato la sua passione per gli elementi infantili (se non del tutto infantili) nell'intrattenimento cinematografico.
Dico questo perché alla proiezione di La sposa cadavere a cui ho assistito, i bambini tra il pubblico sembravano deliziati dal macabro procedimento molto più di me. Ma cosa ti aspetti? La morte è una prospettiva molto più remota per loro di quanto lo sia per un vecchio bislacco come me. In ogni caso, il signor Burton, come molti registi, sembra aver avuto un'infanzia relativamente solitaria. La voce biografica di The Film Encyclopedia di Ephraim Katz è istruttiva a questo proposito:
Nato nel 1960 a Burbank, in California, figlio di un impiegato del Dipartimento dei Parchi, ha trascorso molte ore dell'infanzia solitaria guardando cartoni animati e film horror in TV e ha iniziato a disegnare cartoni mentre era ancora alle elementari. Ha vinto una borsa di studio Disney per studiare animazione al California's Institute of the Arts e all'età di 20 anni ha iniziato a lavorare alla Disney come apprendista animatore. Ha raggiunto il successo con il suo primo film d'animazione, il pluripremiato cortometraggio di sei minuti, Vincent, modellato e narrato dal suo eroe d'infanzia, Vincent Price. Passando ai cortometraggi dal vivo, ha realizzato una versione di Hansel e Gretel con un cast tutto asiatico. Successivamente ha diretto per Disney Frankenweenie, una parodia live-action di 30 minuti di Frankenstein in cui il mostro è un cane. Considerato troppo spaventoso per i bambini, il film non è mai uscito, ma ha portato all'assunzione di Burton da parte della Warner Bros. come regista di Pee-Wee's Big Adventure, che è diventato un successo al botteghino. Pensato per il mercato dei bambini, il film ha colpito alcuni critici per la sua originalità, l'inventiva visiva e l'occhio per l'assurdo, qualità che sono diventate le caratteristiche distintive di Burton e sono state fortemente evidenti nei suoi tre film successivi: il dormiente Beetlejuice, il film campione d'incassi Batman e l'acclamata fiaba per adulti Edward mani di forbice. Il sequel Batman Returns ha esteso lo strano simbolismo del film delle immagini dell'infanzia e delle ossessioni degli adulti. Dopo Batman Returns ha firmato un accordo per produrre film per la Disney.
Ho seguito l'emergere di Mr. Burton come autore innegabile anche quando non dirigeva le sue produzioni, ma a grande distanza, così grande, in effetti, che non riesco a ricordare per la mia vita nulla di ciò che ho scritto su di lui. Non mi è dispiaciuto il duo Batman e sono stato leggermente respinto da Edward mani di forbice e Beetlejuice, anche se sono rimasto moderatamente impressionato dagli stili di recitazione sottilmente reticenti di Johnny Depp e Michael Keaton.
La sposa cadavere si rivela un poderoso miscuglio di burattini e animazione che è tecnologicamente troppo complesso e laborioso per questo recensore irrimediabilmente luddista, che sta scrivendo questa recensione su una macchina da scrivere portatile Smith-Corona SCM Classic 12. Tutto quello che so è che tutti i personaggi, vivi e morti, hanno occhi enormi e corpi deformi. Le voci sono fornite da Johnny Depp nei panni di Victor Van Dort, lo sfortunato sposo che si ritrova fidanzato con due donne, di cui solo una viva, allo stesso tempo: Helena Bonham Carter nei panni della Sposa cadavere ed Emily Watson nei panni di Victoria Everglot, la vivente futura sposa. I genitori di Victor sono doppiati da Tracy Ullman come Nell Van Dort e Paul Whitehouse come William Van Dort, i genitori di Victoria da Joanna Lumley come Maudeline Everglot e Albert Finney come Finnis Everglot. Richard E. Grant è la voce sempre beffarda del cattivo totale Barkis Bittern. Christopher Lee suona come il grottescamente prepotente Pastor Galswells, e il compositore Danny Elfman (che è stato con Mr. Burton dall'inizio della sua carriera) canta la voce di Bonejangles, il leader della banda del cimitero.
La trama, così com'è, dipende dall'estrema goffaggine di Victor durante le prove del matrimonio, costringendolo a fuggire umiliato in un cimitero boscoso, dove mette per errore l'anello nuziale di Victoria su un ramo di un albero che improvvisamente si trasforma nella mano e nel dito della sposa cadavere , con la sposa stessa che emergeva in tutta la sua forma scheletrica dalla tomba in cui aveva languito da quando era stata uccisa dal suo sposo malvagio e cacciatore di fortuna. C'è, in un primo momento, un tocco di Ichabod Crane in Victor Van Dort, ma con colpi molto più ampi di nervosismo isterico. Man mano che la storia si sviluppa, tuttavia, l'espansività lirica della musica di Mr. Elfman fornisce uno sfondo di dolcezza che fa da contrappunto ai relativi dettagli macabri di parti del corpo in decomposizione e disintegrazione. In effetti, se La sposa cadavere funziona - e non sono sicuro che lo faccia - è come un musical mordace non privo di arguzia e una certa misura di coinvolgimento emotivo.
Tutti e tre i personaggi principali si alternano a due per periodi di corteggiamento al pianoforte a due mani, ma le linee di demarcazione tra questo mondo e il prossimo diventano sempre più sfocate. Ciò è particolarmente vero quando il coro di Bonejangles ruba la scena (per così dire) con il loro ritornello ricorrente a ogni strofa sempre più triste del racconto della sposa cadavere in Remains of the Day.
Dice così: muori, muori, tutti noi muoiono / Ma non indossare un cipiglio perché è davvero O.K. / Potresti provare a nasconderti e potresti provare a pregare / Ma finiamo tutti per essere i resti della giornata. Ora so che da qualche parte dentro di me c'è un omino che annuisce in accordo con la verità esistenziale del ritornello, ma io proibisco assolutamente a questo ometto di applaudire all'unisono con i cantanti dei Bonejangles. Quello che segue nella narrazione è pulito e dolce come una filastrocca. Normalmente, avrei considerato la risoluzione di questo bizzarro triangolo così sentimentalmente inventato che è diventato un esempio di avere la tua torta (o cadavere) e anche mangiarla. Tuttavia, il signor Burton scende, anche se tardivamente, dalla parte della vita e dell'amore, e non avrei potuto sopportarlo se non l'avesse fatto. Quindi goditi la sposa cadavere, se puoi. Non l'ho fatto, anche se dovevo ammettere che era abbastanza realizzato per quello che era.
Figlia di papà
Keane di Lodge Kerrigan, dalla sua stessa sceneggiatura, è il terzo film narrativo in prima persona distintamente indipendente e molto apprezzato che il signor Kerrigan ha prodotto negli ultimi 11 anni. Ha fatto il suo debutto con Clean, Shaven (1994), uno studio approfondito di un personaggio schizofrenico di nome Peter (Peter Greene), che vaga cercando di trovare uno scopo alla sua esistenza dopo essere stato rilasciato da un istituto mentale. Nel frattempo, la sua giovane figlia è stata data in adozione da sua madre, una poliziotta che sospetta che Peter sia il brutale assassino di un'altra bambina e che è sulle sue tracce.
Il secondo lungometraggio di Kerrigan, Claire Dolan, era una narrazione più diretta e meno piena di dubbi rispetto a Clean, Shaven poiché seguiva il personaggio del titolo, interpretato dalla defunta Katrin Cartlidge, nei suoi turni designati come una squillo costosa che operava in varie località tra il New Jersey e New York, una regione che è diventata il territorio prescelto da Mr. Kerrigan. È un mondo transitorio di motel, bar economici e storie di una notte.
Keane è più vicino nella sua sconclusionata indistinzione a Clean, Shaven che a Claire Dolan dal momento in cui inizia, in qualche modo misteriosamente, nel terminal degli autobus della Port Authority di New York, dove William Keane (Damian Lewis) è freneticamente alla ricerca del suo bambino di 6 anni figlia, che è scomparsa da sei mesi dopo essere scomparsa nel terminal degli autobus mentre era affidata alle cure di Keane. Almeno questo è ciò che afferma Keane mentre all'occhiello di perfetti sconosciuti con una foto di sua figlia e un ritaglio di giornale sbiadito della sua scomparsa, nessuno dei quali abbiamo mai visto da soli, portando al sospetto che il trasandato e apparentemente demente Keane possa aver inventato il L'intera storia. Per prima cosa, viene mostrato sempre borbottando o addirittura urlando ad alta voce tra sé e sé mentre viene trascinato senza sosta dalla telecamera portatile del direttore della fotografia John Foster, che rimane vicino a Keane, ma non abbastanza vicino da far identificare il pubblico con il suo punto di vista. È come se una terza persona invisibile tenesse d'occhio Keane per qualche motivo non specificato.
Il signor Lewis, un attore britannico di grande talento, mostra un impeccabile accento americano in quella che equivale a una monopolizzazione iper-wellesiana del tempo e dello spazio sullo schermo. Proprio quando ha iniziato a esaurire la nostra pazienza incitando una stupida rissa intorno a un posteggio di taxi con un uomo che sospetta inutilmente di aver rapito sua figlia, la trama inizia a infittirsi considerevolmente quando incontra una madre single sfortunata, Lynn Bedik (Amy Ryan) e sua figlia di 7 anni Kira (Abigail Breslin) nel suo hotel. Keane è chiaramente affascinato dalla bambina, forse perché gli ricorda la propria figlia perduta, e forse perché è un pericoloso pedofilo che ha fantasie su una figlia perduta da tempo.
Abbiamo visto Keane indulgere in un incontro sessuale con una donna che sniffava coca cola in un bagno con una donna altrimenti non identificata, ma la sua mancanza di potenza sessuale in questo incontro suscita sospetti più carichi di suspense sulle sue perversità sessuali. Quando Lynn chiede a Keane di fare da babysitter a sua figlia mentre lei va fuori città per ottenere dei soldi per il mantenimento dei figli dal suo ex marito, la tensione aumenta sensibilmente mentre Keane e Kira si legano insieme come un devoto padre surrogato e una figlia surrogata completamente fiduciosa. Mentre Kira, ben interpretato dall'adorabile signora Breslin, cerca di rallegrare lo scoraggiato Keane, non fa mai la mossa falsa o sospetta che prevediamo con ansia. Non posso dire se il signor Kerrigan stia giocando a biliardo sporco con noi tra il pubblico o no. Le molestie sui minori sono ancora un grave tabù, dentro e fuori dallo schermo, ma i film recenti hanno superato il limite (in particolare nel settore indipendente), e in ogni caso, non possiamo mai essere sicuri di un personaggio che sembra appartenere a un istituzione.
In effetti, non voglio cortocircuitare la suspense raccontandoti cosa succede alla fine. Tuttavia, non posso evitare alcune speculazioni autoristiche su una nota biografica criptica che il signor Kerrigan ha incluso nelle note di produzione del film: vive a New York City con sua figlia Serena. Nel suo primo film, Clean, Shaven, il protagonista ha perso la custodia di una figlia ed è sospettato dell'omicidio della figlia di qualcun altro. In Claire Dolan, la protagonista vuole abbandonare la prostituzione per poter avere un figlio tutto suo. E in Keane, una figlia forse vera viene quasi magicamente sostituita da una figlia surrogata con uno zaino sorprendentemente simile nello stesso terminal degli autobus.
L'ossessione per le figlie è abbastanza plausibile, ma la solitudine mobile dei protagonisti di Mr. Kerrigan solleva diverse domande sulla visione dell'autore della vita e della società. Sembrerebbe che stiamo tutti nuotando in un mare di comune indifferenza, e suppongo che questa sia una descrizione del mondo di oggi altrettanto appropriata.
Più selvaggio
A qualcuno piace Wilder: The Complete Billy Wilder, una retrospettiva di 26 film, continua la sua corsa al Museum of the Moving Image (35th Avenue at 36th Street, Astoria) con A Foreign Affair (1948), il chiassoso ritorno di Wilder a Berlino dopo il guerra, con Marlene Dietrich lanciata contro la realtà come una nazista impenitente e Jean Arthur brutalizzata come una deputata repubblicana dell'Iowa in una competizione sessuale irregolare con Dietrich per amore di un soldato americano corrotto (interpretato da John Lund). Importante nel cast è anche Millard Mitchell, nei panni dell'ufficiale comandante comicamente senza fronzoli. Dietrich canta Mercato Nero e Rovine di Berlino. L'esilarante sceneggiatura è stata attribuita a Wilder, Charles Brackett e Richard Breen, e il filmato sul posto della Berlino bombardata ha fatto la sua dichiarazione ironica. (sabato 24 settembre, 14:00)
Secondo quanto riferito, Stalag 17 (1953) era superiore al successo teatrale di Donald Bevan e Edmund Trzcinski a Broadway. Nell'adattamento cinematografico di Wilder ed Edwin Blum (vincitore dell'Oscar per William Holden), l'antieroe inizialmente pungente diventa inaspettatamente eroico in un campo di prigionia nazista, il già citato Stalag 17. Lo splendido cast corale comprende gli estemporanei team comico di Robert Strauss e Harvey Lembeck (riprendendo le loro buffonate teatrali), Don Taylor, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Ross Bagdasarian e Gil Stratton Jr., così come i cattivi interpretati brillantemente e argutamente scritti di Otto Preminger (come il sardonico comandante del campo) e Sig Ruman (come l'ingannevolmente gioviale guardia della caserma). Nonostante la successiva Hogan's Heroes, la sitcom insipida ispirata al successo del film, Stalag 17 rimane una delle miscele più risonanti di commedia e melodramma di Wilder. (domenica 25 settembre, 14:00)
The Front Page (1974) è, ahimè, lo stanco remake di Wilder di His Girl Friday (1940) di Howard Hawk, che aveva abilmente eterosessualizzato (con Cary Grant e Rosalind Russell) l'originale storia d'amore tra amici del palcoscenico di Ben Hecht-Charles MacArthur 20 commedia, così come la versione cinematografica di Lewis Milestone del 1931 con Adolphe Menjou e Pat O'Brian (dopo che il produttore Howard Hughes avrebbe rifiutato Clark Gable e James Cagney, nelle prime fasi della loro carriera, per i ruoli principali). Nella versione Wilder, Jack Lemmon e Walter Matthau ripristinano la venerabile tradizione del compagno. (sabato 1 ottobre, 14:00)
The Apartment (1960), proiettato in una stampa Dolby Digital da 35 millimetri restaurata, ha vinto meritati Oscar per il miglior film, la migliore sceneggiatura (Wilder e IAL Diamond), il miglior montaggio (Daniel Mandell) e la migliore scenografia-decorazioni ( Alexandre Trauner e Edward G. Boyle). Immeritata è stata la perdita dell'Oscar di Shirley MacLaine come migliore attrice; la sua accattivante performance da cattiva ragazza era infinitamente superiore alla ridicola squillo di Elizabeth Taylor in Butterfield 8 di Daniel Mann, per il quale la signora Taylor ha vinto uno dei suoi periodici premi di Hollywood in omaggio alla sua cinica avidità e alla sua macchina pubblicitaria ben oliata. A Fred MacMurray è affidato il ruolo ingrato di marito traditore e adultero meschino, ma Jack Lemmon e la signora MacLaine sono a dir poco squisiti nelle loro vulnerabilità condivise, che alla fine trionfano in uno spettacolare movimento di macchina da presa. (sabato 1 ottobre, 16:00 e domenica 2 ottobre, 16:30)
