Il nuovo album degli Stone Temple Pilots, Shangri-LA DEE DA (Atlantic), pone la domanda: puoi insegnare a un vecchio cane a strappare nuovi trucchi? Una volta oggetto di sproloqui velenosi da parte di ogni ipocrita indiebot che cercava di mantenerlo reale nella corsa all'oro post-Nirvana, S.T.P., come il radon nel tuo seminterrato, in qualche modo ha resistito. Un giorno potrebbero persino soppiantare gli Aerosmith come i grandi vecchi posatori dell'hard rock. A quel punto, tutti tranne pochi amari avranno dimenticato quanto la band fosse disprezzata nel suo apice di stile, quando l'imitazione di Eddie Vedder del cantante Scott Weiland fece sentire i passi di Rich Little, e non c'era una nota, un testo, uno sguardo o un gesto questi tipi hanno offerto che non sembrava del tutto, orribilmente derivato.
Più vecchio, più saggio, forse disintossicato, S.T.P. hanno almeno ampliato i loro orizzonti di appropriazione. Dare calci alla droga ed espandere la tua collezione di dischi non garantisce la longevità della tua band, ma Shangri-LA DEE DA è un inizio promettente. Sebbene alcune delle canzoni, tra cui Dumb Love, siano, come ha detto Mr. Weiland, vintage S.T.P. (che significa, forse, Alice in Chains vintage), la band ha chiaramente beneficiato di un'abbuffata di Virgin Megastore. L'elenco delle influenze - dai Beatles agli Zeppelin a Todd Rundgren a, secondo il comunicato stampa dell'album, il pioniere della bossa-nova Antonio Carlos Jobim - illustra ancora una volta la linea sottile tra eclettismo e copertura delle proprie scommesse.
Dopo diversi ascolti, questo album fa uno strano effetto. La repulsione può recedere leggermente e può verificarsi un certo apprezzamento per la sua abile manipolazione dei suoni familiari. Le donne incinte possono persino gestire in sicurezza A Song for Sleeping, l'ode di Weiland al figlio appena nato, e gli irriducibili dell'era Vasoline potrebbero trovare sollievo dalla crisi di mezza età nel lavoro con l'accetta eseguito su Courtney Love, un ragazzo rock, in Too Cool Queenie (Ha ottenuto molto famoso/e ha fatto un sacco di soldi/e anche un po' dei suoi). L'agiografia ipocrita di Kurt Cobain (Non era mezzo cattivo/A salvare il mondo) non è l'unica mossa falsa in questa canzone. Days of the Week, una sorta di rifiuto a tema Friends, è accattivante solo come un chiodo che spunta dallo stipite di una porta. Ma Shangri-LA DEE DA, per quanto sdolcinato e irritante possa essere, possiede alcuni genuini momenti pop-rock, meglio evidenti in Wonderful e Bi-Polar Bear. S.T.P. non hanno mai avuto integrità, ma forse hanno guadagnato un po' di dignità cercando ancora di farcela, ora che anche i posatori hanno smesso di lamentarsi di tutti i posatori là fuori.
- Sam Lipsyte
Nuggets II : Vendita di garage
Innanzitutto, alcuni fatti riguardanti Nuggets II: Original Artyfacts From the British Empire and Beyond (Rhino). Come il suo predecessore, a sua volta una versione ampliata dell'epocale doppio album del 1972 sulla prima psichedelia americana compilato da Lenny Kaye, è uno scavo in quattro dischi di decine di singoli rari di quelli che sono apparentemente conosciuti come gruppi garage-rock del 1964-69. Il compito qui è evidenziare analoghi internazionali di artisti del calibro di Standells. Gli unici brani inclusi in questi dischi che hanno raggiunto le classifiche qui sono Pictures of Matchstick Men degli Status Quo e Friday on My Mind degli Easybeats. La melodia di apertura, Creation's Making Time, è meglio conosciuta come la nota fondamentale di Rushmore. E questo è tutto per il riconoscimento negli Stati Uniti.
Ancor più del nascente punk rock raccolto su Nuggets I (che è stato ampliato nel 1998), i singoli di gruppi garage-rock britannici, europei, sudamericani e asiatici sono feticizzati dal tipo di malcontento che vedi aggirarsi alla WFMU Record Fair. Sospetto che questo abbia a che fare con il modo in cui il corpus dei Nuggets I non è più interamente loro: i non lavati (o, rispetto alle abitudini igieniche di questa specie di collezionisti di dischi, i lavati) possono sapere cosa succede con la musica di Los Angeles Machine, quindi tocca a La De Da's di Auckland e agli Zipps di Amsterdam. Ora, con l'uscita di Nuggets II, dovranno iniziare a partecipare agli incontri di scambio in Micronesia.
La cosa strana di Nuggets II è quanto le canzoni siano simili. È d'obbligo lamentarsi di come le differenze culturali dei paesi vengano appiattite dal capitalismo. Ma le prove qui presentate suggeriscono che, negli indimenticabili anni '60, l'eredità musicale immediata dei Beatles, dei Rolling Stones, degli Who, dei Kinks e degli Yardbirds non era in gran parte quella che incoraggiava l'eterogeneità, ma l'omogeneità.
Ci sono un sacco di grandi brani all'interno, tra cui Crawdaddy Simone dei Syndicats e I Am Just a Mops dei Japan's the Mops, due delle canzoni più folli dell'epoca. I Can Hear the Grass Grow dei Move, My Mind's Eye dei Small Faces e Who Dat dei Jury sono sicuri. Uno qualsiasi di questi quattro dischi di pura e sgradevole azione rock suonerebbe magnificamente in una festa sul tetto: il garage rock è più divertente da bere rispetto, ad esempio, alla musica dance intelligente.
Ma c'è da chiedersi perché più di queste band non abbiano incorporato influenze locali, come hanno fatto i brasiliani Os Mutantes tramite Bat Macuma. Credimi, quattro dischi di Neanderthal R&B e psichedelia sono una bella cosa. Ma solo un musicista degli anni '60 quasi certificabile non troverebbe Nuggets II leggermente intorpidito.
– Rob Kemp
Thelonious Monk: Dritto, Con Chaser
Poiché raramente hanno i diritti sull'intera opera registrata di un immortale del jazz, le etichette discografiche amano riconfezionare ciò che hanno e affermano, anche se solo implicitamente, che questa è l'epoca essenziale della carriera dell'artista. Nel caso del nuovo cofanetto di tre CD di Thelonious Monk, The Columbia Years: 1962-1968, questo potrebbe essere un'affermazione. Le precedenti scatole di Monk, la Blue Note da quattro CD, che include le sue prime registrazioni dal 1947 al 1952, e la scatola Riverside da 15 CD, che copre il periodo dal 1955 al 1962, sono il filone madre delle sue composizioni formalmente ingegnose, vetrine per il suo pungente , approccio al pianoforte percussivo e assolutamente sui generis. (Coloro che non hanno familiarità con la sua musica potrebbero provare a immaginare qualcosa tra Erik Satie e il folk blues.)
A causa del ritardo tra genio e riconoscimento, Monk lavorò in relativa oscurità sui primi capolavori. Il contratto con la Columbia segnava il suo arrivo alla ribalta e, al contrario, la sua imminente caduta dalla grazia critica. Stava ancora suonando meravigliosamente, ma, in contrasto con le varie impostazioni musicali degli anni passati, si era ambientato in un groove di quartetto confortevole e occasionalmente prevedibile con il suo sassofonista tenore, Charlie Rouse. Era, lo apprezziamo in retrospettiva, diretto verso un completo ritiro dalla vita musicale, i silenziosi anni '70 che hanno preceduto la sua morte nel 1982. Con un tocco artistico, il primo disco della ristampa inizia con un frammento di quattro secondi di Monk che borbotta, I'm famoso. Non è una cagna?
Ciò che rende il set così sorprendentemente soddisfacente, sia come opera di revisionismo storico che come raccolta di musica brillante, è ciò che è stato sottratto, non aggiunto. Comprimendo la tentacolare produzione Columbia di Monk in tre dischi, Orrin Keepnews, il produttore di ristampa e produttore originale di Monk a Riverside, ha eliminato le ripetizioni e i longueurs che hanno reso Monk degli anni '60 così problematico. Variety è stato aggiornato con successo. Monk suona astuto e seducente nei tagli del quartetto sul disco 1 (prova Ugly Beauty); masterizzazione su Blue Monk, uno dei pezzi da big-band del disco 2; e rilassato ed espansivo con il clarinettista Pee Wee Russell in un concerto di Nutty, dal disco live finale.
Tuttavia, la ristampa Columbia sembra destinata a vivere all'ombra dei cofanetti Blue Note e Riverside. Ma questo, per un album jazz, è un posto molto onorevole dove stare.
– Joseph Hooper
I Ramones: Jive Talkin'
Alcune band impiegano un'intera carriera per completare un suono, ma non i Ramones. Come i Neu!, ce l'hanno fatta con il primo paio di percussioni nel 1976. Come dimostrato dalla recente ristampa da parte della Rhino Records dei loro primi quattro LP ( Ramones , Leave Home , Rocket to Russia e Road to Ruin , che includono vari demo, singoli e, in un caso, un intero concerto), il resto della loro carriera è stata tutta una questione di finezza, non un termine spesso associato al punk. Il fatto che siano stati tollerati per altri 25 anni è la prova della buona volontà generata dalla band simile a un cartone animato, nonostante le lotte intestine e l'iconografia nazista.
Molto è stato scritto sul personaggio buffo della band, ma bisogna considerare da cosa è nato: un'accettazione amorevolmente ironica della cultura americana dei graffiti della loro giovinezza, che era stata ridotta al kiddie Kustom Kar Kommando che era il Fonz. Quindi tutti i loro discorsi sulla sedazione e sui trattamenti shock avevano poco a che fare con la rabbia della cultura punk che hanno generato; piuttosto, era la loro nostalgia per Creature Double Features e Phil Spector. La brevità delle canzoni, le cover dei Searchers, le immagini del film-monster-wrestling sulle copertine dei loro album: tutto indicava una credenza burbera che non solo gli hippy avevano rovinato il più grande periodo della musica, ma avevano anche scritto la storia ufficiale –uno che tratterebbe tutto ciò che i Ramones valutavano come un semplice preludio a un assolo di chitarra di Richie Blackmore di 14 minuti.
All'inizio degli anni '70, il rock aveva abbracciato il blues come una forma di autenticità, trasformando l'urlo del campo in una colonna sonora per ragazzi bianchi decadenti che strisciavano nella frangia di Stevie Nicks. Ma i Ramones furono i primi anti-wigger, nati dalla tradizione artistica di New York City di denigrare quella che potrebbe essere considerata una genuflessione caucasica verso la musica soul (a cui Nelly Furtado risponde, Meep meep!). In effetti, con le loro giacche di pelle, i tagli di capelli a scodella e l'enunciazione sniffa colla di Joey Ramone, i Ramones erano davvero dei menestrelli del candore. Quando canta, Seduto qui nel Queens/Mangiando fagioli fritti/Siamo in tutte le riviste/Gulpin' giù Thorazines in We're a Happy Family, da Rocket a Russia (il loro album più forte), sono pallidi Sottobicchieri per il Lower East Side, scegliendo la spavalderia sbarazzina rispetto agli abiti da scimmia.
I Coasters erano i Bamboozled del loro tempo: gli afroamericani che recitavano i testi di un paio di saggi bianchi. Ma non solo i Ramones stavano facendo lo scherzo a se stessi; il punk rock che hanno inventato è stato l'unico genere musicale nato ironico, motivo per cui i loro fan sono rimasti in parti uguali cretini che non hanno capito lo scherzo e critici che pensavano che lo avessero inventato. Mentre la comunità punk ha mostrato la sua vicinanza dopo la morte di Joey Ramone a maggio, sospetto che chiunque vedesse il mondo come un gruppo di capocchia di spillo lobotomizzati si sentirebbe in qualche modo separato da qualsiasi fazione che lo celebrasse. E così 1-2-3-4! rimangono i numeri più solitari che conosceremo mai.
- D. Strauss
