L'isolamento fa bene agli artisti?Khara Woods/Unsplash Ci troviamo in un momento strano nel tempo, uno che ci impone di rimanere isolati. E mentre il mondo come lo conosciamo è in standby, dobbiamo comunque riempire le nostre giornate e cercare di guadagnare abbastanza soldi per tirare avanti. Alcune persone hanno la fortuna di svolgere il proprio lavoro da casa, altre sono state licenziate fino al ritorno della normalità, mentre molte sono state licenziate del tutto. I creativi si trovano in una strana posizione in cui possono, almeno in teoria, continuare a produrre arte negli spazi in cui vivono. Internet è pieno di suggerimenti su cosa fare durante l'autoisolamento, come passare il tempo, anche se il mito dell'artista suggerisce che i creativi sono abbastanza abituati ad essere isolati e ne sono minimamente colpiti. La verità da cui deriva questa percezione è in realtà molto più interessante della favola dell'artista torturato e solitario che ha generato.
L'isolamento volontario è stato un buon modo per gli artisti, storicamente e oggi, di trovare la pace per creare, lontano dalle voci, dalla burocrazia e dal rumore generale della vita. Architetto e artista rinascimentale (e padrino della storia dell'arte) Giorgio Vasari amava andare in un monastero della Toscana rurale dove, come scrisse, non avrei potuto trovare posto migliore per conoscermi. Fu in una delle sue prime visite lì, un periodo di due mesi, che dipinse un Madonna con Bambino e Santi Giovanni Battista e Girolamo e questo indusse i monaci a commissionargli un'intera pala d'altare.
Durante questo tempo, coloro che potevano abbandonavano le città affollate dove si stava rapidamente diffondendo una pestilenza. I ritiri in fattorie, monasteri e ambienti rurali, lontano da gruppi di persone, erano una delle migliori misure preventive contro le malattie: i medici, a quel tempo, non erano attrezzati per raccomandare altre misure comprovate per proteggersi. Nelle città, l'acqua e l'aceto erano considerati antisettici. Le transazioni nei negozi si limitavano a mettere le monete in una ciotola di acqua o aceto e a far scorrere le monete attraverso una fessura nella porta del negozio, dopo di che il proprietario del negozio avrebbe riportato la merce all'acquirente. Anche la preghiera feroce era considerata un buon difensore contro le malattie.
Gli artisti, storicamente, sono stati in grado di creare opere in autoisolamento se si trattava di evitare la malattia, ma non se si trattava di evitare la guerra e in situazioni di assedio. Durante tali periodi, i nervi erano così agitati e il materiale non disponibile, che la produzione artistica tendeva ad essere estremamente limitata o inesistente. In effetti, la maggior parte degli artisti è stata riassegnata a ruoli di ingegneri militari in tali circostanze, con artisti del calibro di Leonardo, Benvenuto Cellini e Vasari che svolgono tutti questo ruolo in tempi di conflitto.
È in parte grazie all'eredità del Vasari che abbiamo questo mito del creatore isolato, attraverso il suo influente libro del 1550, Le vite degli artisti, che raffigura l'artista come qualcuno che vive alla periferia della società (letteralmente o metaforicamente). Il successivo cliché che ha generato è servito a elevare la vita privata di alcuni artisti a un livello di fama al di là persino di ciò che raggiunge il loro lavoro. Il primo esempio è Vincent van Gogh, quel genio pazzo mangiatore di scarpe e affettare le orecchie che ha evitato i caffè di Parigi, che è il luogo in cui tutti coloro che erano qualcuno nel mondo dell'arte avrebbero frequentato, e si è trasferito ad Arles, nel profondo sud.
Van Gogh è il poster boy per l'artista torturato, isolato, ignorato, che intendiamo per vero artista. Ha detto che la sua mossa era quella di avvicinarsi ai colori e lontano dai grigi di Parigi, e ha spiegato che essere in completo isolamento e lontano dalle persone e da tutte le possibili influenze diverse dalle sue visioni gli ha fatto vedere le cose più chiaramente. Quel completo isolamento lo ha aiutato a stare dentro la zona , o continuamente ipnotizzato, come Murakami ha recentemente descritto lo scopo di il suo isolamento autoimposto quando si scrive un nuovo libro. La verità è che per molti creatori, uno spazio in cui possono da soli con i loro pensieri è l'ideale. Scrittori e artisti vanno regolarmente in ritiro, che è essenzialmente un autoisolamento volontario per lavorare senza le distrazioni della vita quotidiana. Eppure non dimentichiamo che molti creano in studi condivisi, in campus affollati o in collaborazione con altri.
Ma indubbiamente succede qualcosa quando investiamo tutto ciò che abbiamo in un periodo più lungo di immersione totale nel processo di fare arte, e poco o niente altro. Allo stesso tempo, in molti casi, noi artisti entriamo così profondamente nel nostro lavoro che può diventare invisibile per noi. Troppo spesso la risoluzione finale, quel clic, quel colpo di genio, il soffio della divinità, quando tutto (te compreso) si solleva dal pavimento, mentre la magia si posa sul tuo lavoro, appare solo quando tiri fuori la faccia e respirare un po'. A volte l'allontanamento dal lavoro ci aiuta a vedere tutto più chiaramente. Quante volte il blocco dello scrittore (o altre stazioni del crocevia artistico) è stato magicamente risolto da una deviazione non pianificata, un'abbuffata inaspettata, una storia d'amore o semplicemente un caffè in un posto nuovo, fuori dalla routine? Quindi l'isolamento è utile per svolgere grandi quantità di lavoro. Ma abbiamo bisogno del respiro per allontanarci dal tavolo da disegno (letteralmente) per fare nuove scoperte, risolvere problemi e trovare le note di grazia che completano le nostre sinfonie (a volte letteralmente).
È stato quando Paul Gauguin, a volte amico, a volte rivale di Van Gogh, è venuto a trascorrere del tempo con lui ad Arles che entrambi gli artisti hanno davvero fatto progressi e sono fioriti. Ma gli artisti possono essere permalosi e c'è una linea sottile tra cameratismo e rivalità. Questo soggiorno congiunto trasformò la loro amicizia in un disastro e includeva quel famoso atto di Van Gogh che si tagliava l'orecchio, seguito da Gauguin che si allontanava in ritiro, lontano dalla civiltà conosciuta come la chiamava - finì in Polinesia.
Alcuni artisti hanno fatto dell'autoisolamento la loro arte, non solo un veicolo per fare arte. Chris Burden ha preparato una performance ( pezzo di letto, 1972) in cui dava rigorose istruzioni al suo gallerista di non interferire in alcun modo con lui. Poi si presentò alla galleria, vi si stese dentro un letto e vi rimase, in completo isolamento autoimposto, per tre mesi. Questo ha avuto una risonanza in più per lui perché, dopo un brutto incidente d'auto quando aveva 13 anni, è stato costretto a trascorrere nove mesi a letto mentre si riprendeva. Riferendosi a Burden, l'artista cinese Tehching Hsieh si è rinchiuso in una gabbia all'interno del suo studio per un anno intero ( pezzo di gabbia , 1978-1979).
È una danza costante per gli artisti tra isolamento e interazione sociale. Quando c'è troppa vita reale sembra un'interferenza e desideriamo il tempo da soli per portare a termine il nostro lavoro. Ma essere semplicemente soli con il nostro lavoro può portare a ripetizioni stantie. Le pause e le interazioni ci rinfrescano e danno ai nostri succhi creativi la possibilità di fluire di nuovo. Riteniamo anche che le nostre carriere siano in pericolo se siamo isolati e lavoriamo troppo a lungo: questa è una preoccupazione postmoderna, che devi essere là fuori affinché il mondo dell'arte si ricordi di te e mantenga la tua rilevanza.
Non esiste una risposta diretta all'equilibrio tra isolamento e socializzazione per l'artista, ma apprezziamo la libertà di scelta. Scegli quando isolarti, scegli quando impegnarti. È un processo, un atto costante di camminare sul filo.
Quindi la domanda diventa, ora più che mai, l'isolamento significa che farò arte migliore, o essere immerso nel vortice sociale non solo apre le mie possibilità di essere visto, ma rende la mia arte migliore e più rilevante? La risposta è entrambe le cose. È evidenziato ora, perché non possiamo tuffarci nel vortice sociale, a parte sui social media, che fornisce l'effetto ricordami ma non offre la distanza positiva e rinfrescante dal tuo lavoro che ti consente di cucinare nuove idee e aggiungere la ciliegina la torta dei vecchi.
Agli artisti piace saltare negli estremi. Navigare il più lontano possibile da tutti, a volte, mentre si è immersi in tutti gli angoli possibili dei grandi, complessi e vari progetti paralleli dell'arte contemporanea, mostre, collaborazioni, pubblicazioni, presentazioni e conferenze. Gli artisti vogliono mostrare quello che abbiamo fatto mentre eravamo in una delle nostre caverne segrete, o mostrare che ora possiamo lavorare solo galleggiando in un oceano di informazioni e disponibilità... fino a quando non vediamo l'ora di andarcene di nuovo, quindi può prendere una pausa e apprezzare tutto. Ci sono molti cliché sugli artisti, ma uno è certamente vero: che abbraccino o meno gli estremi, sono un gruppo complicato, e meglio lo siamo. Senza i loro tentativi creativi di capire se stessi e il mondo, saremmo tutti molto più poveri.
