Salvate il soldato Ryan è un capolavoro. Consolida la reputazione di Steven Spielberg come uno dei registi seminali dell'epoca. Racconta una storia galante di onore, dovere e coraggio sotto il fuoco. Ti mostra cose sulla guerra che non sono mai state viste su uno schermo cinematografico. Ti rende orgoglioso di essere un americano senza molti sbandieratori fasulli, sentimentali e patriottici. E ravviva la mia fede nella potenziale grandezza dei film. E ora, dopo aver detto abbastanza per alzare le sopracciglia, diamo inizio alla polemica.
Alcune persone non vorranno vedere questo film potente ed elettrizzante a causa della violenza. (Sono le stesse persone a cui piaceva Pulp Fiction.) Beh, non posso mentire. Salvare il soldato Ryan è violento. La guerra è violenta. Ma uno dei tanti punti di forza di questo film fenomenale che lo separa dal solito Bang, bang, sei morto! roba è il modo in cui non solo esamina la natura della violenza, ma ridefinisce l'intero concetto. Guardi le aggressioni più disumane e capisci perché erano necessarie per l'autodifesa. Mr. Spielberg va oltre il genere dei film di guerra; ti porta la guerra stessa.
Salvate il soldato Ryan non perde tempo con l'esposizione. Ti catapulta in uno degli scontri più violenti della storia mondiale fin dall'inizio. È il 6 giugno 1944, giorno noto nell'infamia come D-Day, quando gli Alleati sbarcarono sulla spiaggia della Normandia per affrontare i carri armati tedeschi che minacciavano il futuro del mondo civilizzato. Più di 4.000 americani morirono nella battaglia che seguì e il signor Spielberg cattura il rumore e la confusione, le lacrime e il terrore dei ragazzi che sono morti come eroi prima del loro tempo, in una delle sequenze di combattimento più strazianti mai girate. Sei precipitato a capofitto nell'occhio del massacro, dove la sopravvivenza era un miracolo. Voi siete i tedeschi, e anche voi i feriti e i vomiti dei soldati, mentre le spiagge si riempiono di corpi e sangue e i feriti vengono spazzati via dalle braccia dei medici della Croce Rossa prima che possano essere trascinati in salvo. Questa sequenza devastante dura 30 minuti ed è la mezz'ora più travolgente e angosciosa che abbia mai trascorso in un teatro. Non c'è alcun tentativo di alterare il suono per rendere più facile l'ascolto delle singole linee di dialogo. Per un uomo, gli attori sono rauchi per la cacofonia che li avvolge, e lo spettatore si sente intrappolato e disorientato come i soldati. L'invasione della Normandia è stata ben documentata nell'epico The Longest Day , ma la tela di Mr. Spielberg è su una scala ancora più massiccia, con un'esplosione virtuosa di un orrore annientante che scaglia il pubblico al centro dell'azione con una forza centripeta che è indescrivibile .
La storia che segue parla di otto soldati coraggiosi ma malconci, guidati da Tom Hanks, a cui viene ordinato di salvare un soldato semplice (Matt Damon) disperso in azione dietro le linee nemiche. Nessuno vuole l'incarico, ma la catena di comando scende dal generale George Marshall, che è disposto a rischiare la vita di otto uomini per salvare un ragazzo e alleviare le sofferenze di una famiglia in lutto in Iowa dopo l'altra tre figli sono morti in azione. In una performance galvanizzante, il signor Hanks deve giustificare il rischio ai suoi uomini, impedire loro di disertare e trovare decenza e responsabilità nell'inferno della guerra. Nella brillante sceneggiatura di Robert Rodat, conosci ogni uomo come un membro della tua stessa famiglia, e nel corso di quasi tre ore, il signor Spielberg dimostra che nulla in guerra è in bianco e nero. Gli americani sono buoni e cattivi, codardi e nobili. Alcuni sono in grado di commettere le stesse atrocità contro i tedeschi arresi che stanno combattendo per prevenire. Soprattutto, sono umani.
L'ensemble di recitazione è di prim'ordine. Tom Sizemore è particolarmente bravo nei panni del duro sergente veterano che rispetta le regole, e Edward Burns, nei panni del duro ribelle di Brooklyn che non ha pietà per il nemico, esce dal suo solito tono monotono per incidere un ritratto di cinismo e rabbia sotto stress che è sorprendentemente viscerale. Lealtà e valori cambiano quando sei emotivamente sconvolto e il cast fa un lavoro convincente nel mostrare il conflitto interiore. In ultima analisi, i valori che Spielberg esplora in questi uomini sono l'etica dell'umanità.
Ti allontani da alcuni film dicendo, so come hanno fatto. In Salvate il soldato Ryan, le scene di battaglia sono così grafiche che non puoi credere a quello che stai vedendo. Non sei mai consapevole della presenza della fotocamera. Niente sembra provato o messo in scena. Sei semplicemente buttato giù dal tuo posto. Lontano da un convenzionale film di guerra pieno di eroismo macho, ti fa ancora sentire i piccoli momenti di valore che sono arrivati inaspettatamente agli uomini che hanno combattuto nella seconda guerra mondiale, senza perdere traccia della sua narrativa umana. Alcune persone obietteranno alla pattuglia di otto ragazzi che a volte sembrano annientare metà dell'esercito tedesco con una scorta infinita di artiglieria, ma il film è così ben ritmato da Mr. Spielberg e freneticamente montato (da Michael Kahn) che non si avere il tempo di agitarsi per l'occasionale espediente della trama. Per pura forza bruta, supera Battleground , Battle of the Bulge , Bataan e persino The Longest Day come vanno i grandi film di guerra.
Per il pubblico più giovane che non ha mai sentito parlare di Omaha Beach o Bastogne o persino di Adolf Hitler, questo film è una preziosa lezione di storia. Per un pubblico più maturo, è un rinnovamento della comprensione per l'ultima guerra che valeva davvero la pena combattere. L'ho detto prima e lo ripeto. Salvate il soldato Ryan è un capolavoro. E perchè no? Il signor Spielberg ha realizzato uno dei più grandi film per bambini di tutti i tempi. Ha realizzato uno dei più grandi film horror di tutti i tempi. Ha realizzato il più grande film sull'Olocausto di tutti i tempi. Dopo E.T. , Lo squalo e Schindler's List , è logico che ora faccia uno dei più grandi film di guerra di tutti i tempi. Ed è esattamente quello che ha fatto.
Sedgwick arriva.
Dov'è Shakespeare?
Nonostante l'odore dell'incenso e la musica del sitar, il tentativo di Nicholas Hytner di spostare la dodicesima notte di Shakespeare in Oriente nella controversa produzione estiva al Lincoln Center sembra spesso più simile a Jacques Offenbach che a Ravi Shankar. È uno spettacolo sontuoso per l'occhio, se non sempre per l'orecchio. Illyria del designer Bob Crowley è costruito su canali che assomigliano più a Venezia che al Kashmir. Tappeti persiani con pavoni sono separati da passerelle di mosaici indiani, e nella piscina blu zaffiro attori lucidati e bruniti della Reebok Gym si dimenano, indossando il minimo consentito dalla legge. Quando Orsino di Paul Rudd pronuncia la famosa frase Se la musica è il cibo dell'amore, continua a suonare! sta fumando una pipa da oppio in uno stato di torpore orizzontale. Quando la Viola di Helen Hunt entra, emerge da un naufragio, guadando pozze di nebbia sottile. Sì, c'è caos dappertutto, nuove idee in movimento e un sacco di abbagliamento per distogliere l'attenzione, ma dov'è William Shakespeare?
Accolgo con favore qualsiasi versione revisionista di Twelfth Night, incluso Your Own Thing, il musical rock che includeva persino una scena tra Humphrey Bogart, la regina Elisabetta, il Dio di Michelangelo dalla Cappella Sistina e John Wayne. Ma ambientare questa commedia romantica in una discoteca sembrerebbe in qualche modo meno bizzarro di alcune delle buffonate di questa strana produzione. Gli amori intricati di Viola e di suo fratello gemello Sebastian, del conte Orsino, di Olivia e dei servitori assortiti e dei giullari di corte che li confondono ulteriormente, sono ancora una delizia vertiginosa, matura per un gioco, sia l'ambientazione Marrakech o il Maine. Ma è uno strano assortimento di compagni di letto sbagliati che si scatenano qui.
La grande sorpresa è Kyra Sedgwick, una star del cinema con la bellezza, il tempismo e il linguaggio del corpo per rendere Olivia la dea vertiginosa di cui sono fatti i sogni. Helen Hunt, con la sua coda di cavallo da ragazzo e il suo modo di esprimersi senza fronzoli, è un'affascinante manipolatrice di genere che spesso riduce il metro arcaico a letture contemporanee che soddisferanno le persone che odiano Shakespeare, ma non ha le sfumature vocali o l'addestramento scenico rendere Viola memorabile. Con gli orecchini che pendono e i lunghi riccioli che gli scendono sulla schiena come la criniera di un cavallo, Paul Rudd sembra un chitarrista rock che si droga. Distante anni luce dall'affascinante insegnante gay che ha interpretato nel film accattivante di Mr. Hytner L'oggetto del mio affetto, gli manca ancora la statura virile per mettere Orsino al centro dell'attenzione. Brian Murray e Max Wright interpretano gli sciocchi come Laurel e Hardy ubriachi, mangiando cibo cinese da asporto con le bacchette, mentre la loro coorte nella commedia lowbrow, Skipp Sudduth, in mutande e berretto, è vestito come Warren Beatty in Bulworth. Sempre una meraviglia, Philip Bosco è un Malvolio riottoso, che sta passando da severo mago della finanza a stupido idiota con un atteggiamento avvizzito e una fronte rugosa che mi ha ricordato l'uomo della vodka Smirnoff con la stitichezza. Alcuni membri dell'enorme cast stanno ancora cercando i substrati dei loro ruoli, e altri, come Rick Stearn nei panni del bel Sebastian, sono a malapena in buoni rapporti con il Bardo.
Nell'impressionante sontuosità della scenografia c'è molto da ammirare, ma quando passi più tempo a contare e a raccontare il numero di candele alzate e abbassate dal soffitto in una dodicesima notte stellata (ne ho contate 60), c'è qualcosa che non va la notte stessa.
