Grezzo, lascivo e spudorato sono tre parole che descrivono abbastanza accuratamente i film di Adam Sandler in generale, e 50 First Dates in particolare. Come il suo biglietto di S. Valentino del 1998 The Wedding Singer , questa presunta nuova commedia accoppia l'allievo del Saturday Night Live con la faccia da wurstel con Drew Barrymore, frizzante e con gli occhi spalancati, che fa un buon agente lievitante per il personaggio brutto, abrasivo e inquietante che Mr. una confraternita sempre sconcertante di critici cinematografici fuorviati che si nutrono di insipidezza) probabilmente chiama stile. Tuttavia, le solite gag da idiota e il disgustoso sentimentalismo del secondo anno sono qui in abbondanza: barzellette gay, percosse selvagge, vecchi senili che parlano sporco e la patetica consorteria di disadattati sociali e medici che trattano il portafoglio di fannulloni idioti del signor Sandler come campioni ed eroi.
La trama inesistente rielabora il film di Harold Ramis del 1993 Groundhog Day , in cui Bill Murray interpretava un cinico meteorologo condannato a rivivere gli eventi del 2 febbraio più e più volte fino a quando non ha imparato a diventare più empatico nei confronti del roditore Punxsutawney alla ricerca della sua ombra. Se il suo personaggio è rimasto bloccato in purgatorio, il personaggio di Drew Barrymore, Lucy, è condannato al limbo. Fenomeno medico che vive solo in un tempo fratturato, è un'insegnante d'arte che ha subito una ferita alla testa in un incidente d'auto. Ora perde la memoria a breve termine ogni notte e si sveglia ogni mattina credendo che sia di nuovo il giorno dell'incidente, che è anche il compleanno di suo padre. Per ragioni che non vuoi sapere, il suo odioso padre (Blake Clark), il fratello pompato di steroidi (Sean Astin) e vari ballerini di hula nativi (ho dimenticato di dire che tutto si svolge alle Hawaii?) , anche guardando una replica serale de Il sesto senso e fingendo shock e sorpresa ogni volta che Bruce Willis si rivela essere un fantasma. Quando la terapia delirante annoia, il signor Sandler entra come veterinario marino e conquistatore di turiste di nome Henry. Si innamora di Lucy nel momento in cui la vede in una tavola calda, facendo una casa con una pila di waffle. Le piace annusare le sue dita perché odorano di sgombro. Questa è solo la nauseante parte pulita. Le nauseanti parti sporche assalgono ciò che resta del tuo cervello più velocemente di quanto tu possa dire Farrelly Brothers.
In ogni film di Adam Sandler, il divertimento è rivolto a gay, anziani, paraplegici, persone in manicomio e sedie a rotelle. Ma non è curioso che l'unica persona che sembra danneggiata e sub-mentale in tutti questi film sia lo stesso Adam Sandler? Nell'odioso 50 First Dates, le sue deficienze sembrano persino più letali di quanto non fossero nell'intorpidito e pretenzioso Punch-Drunk Love. Mentre la zoppa sceneggiatura di George Wing si estende a una durata insopportabile di 95 minuti con una serie di appuntamenti senza fine in cui Lucy pensa di incontrare Henry per la prima volta, le ripetitive scene di baci e coccole sono compensate dal regista Peter L'impegno di Segal per l'esagerazione. In ogni fase della storia d'amore, il film divaga in così tanta scatologia e adolescenza puerile che sembra essere stato diretto da Mr. Segal con un dito in gola. Mr. Segal è l'uomo responsabile di Anger Management e Nutty Professor II: The Klumps , tra le altre imbecille disonore, quindi è probabile che nessuno entri in questa cripta in cerca di sottigliezza, freschezza o stile.
Ma anche per gli standard di Hollywood, che tipo di mente ti colpisce con una combinazione di questo umorismo da toilette e di abusi fisici allo stesso tempo? Preparati per raccapriccianti parti dell'asilo su testicoli ammaccati, un tricheco che vomita copiosamente e un quasi ermafrodita. (Non sarebbe bastato l'uno o l'altro?) Il padre di Lucy imita crudelmente e prende in giro l'impedimento di parola di suo figlio. (Non sono sufficienti i pettorali esagerati del giovane?) Siamo tutti incoraggiati a ridere a crepapelle di un malato di mente cerebroleso, e una battuta malata sull'incidente motociclistico quasi fatale di Gary Busey nella vita reale cade piatta come sterco di elefante. Poi c'è la performance stravagante del perpetuo compagno di repertorio di Sandler Rob Schneider, nei panni di un drogato hawaiano con la pelle scura e un inglese pidgin che continua a trovare nuovi modi per aprire le ferite sullo stomaco da un morso di squalo.
Stupido, rozzo e abissalmente poco divertente, questo è il tipo di film che ti fa pregare che un vero dente di tigre dal vivo si presenti nel mezzo di una scena e faccia dei danni permanenti. Ora c'è uno scherzo crudele che mi lascerebbe davvero a pezzi.
Trio ipersessuale
Nonostante tutto il clamore e le controversie che circondano il suo sesso perverso e la nudità maschile integrale, The Dreamers di Bernardo Bertolucci è un film che suda per comandare, ma non riesce a mantenere l'attenzione. È pesante e fastidiosamente poco sexy. Intossicato dal cinema e dal Kama Sutra, Bertolucci ha, nei suoi ultimi film, abbandonato gli ormoni con cui spingeva Marlon Brando, in Ultimo tango a Parigi, per dimostrare l'unico uso del burro che non era mai venuto in mente a Julia Child. Ma in The Dreamers, ambientato a Parigi durante la turbolenta primavera del 1968, il signor Bertolucci torna, ormai rimbambito, ai suoi tre soggetti preferiti: sesso, film e politica. Tutti e tre erano a tutto gas allora, alimentando le rivoluzioni dei caotici anni '60. L'anno è stato un periodo di scioperi, proteste studentesche, scandali politici ed edonismo furioso e fumatore a catena, quando Henri Langlois è stato estromesso dalle sale deliziose della Cinematheque Française di Parigi e folle di appassionati di cinema in rivolta si sono incatenati ai cancelli con New Wave icone come François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo e Simone Signoret. C'era l'esordiente Bertolucci, un ex assistente di Pier Paolo Pasolini che si era unito ai ranghi sacri dopo il suo primo film nel 1962, e l'adrenalina della memoria è ovviamente ancora nel suo cervello. È l'ultima volta che abbastanza persone sono state così influenzate dalla filosofia che hanno incontrato sullo schermo da essere disposte a prendere d'assalto le barricate e combattere la polizia armata di mazze e gas lacrimogeni per difendere i film di Nicholas Ray.
Adattato da Gilbert Adair dal suo romanzo, The Dreamers racconta le esperienze di Matthew (Michael Pitt), uno studente americano solitario e ingenuo e cinefilo insaziabile che bazzica giorno e notte alla Cinematheque. Con un tocco di brandy e uno scherzo del destino, incontra Isabelle (Eva Green) e Theo (Louis Garrel), gemelli francesi esotici i cui eccentrici genitori sono partiti per una lunga vacanza e hanno lasciato i fratelli da soli nell'ingombro, spazioso e leggermente appartamento familiare. Nel giro di due giorni, il fratello e la sorella spostano le cose di Matthew fuori dal suo hotel e nel loro appartamento, dove flirtano, lo affascinano, lo amano e lo seducono in un ménage à trois che cambia la sua intera vita. Ecco un educato, pacato, pulito americano di San Diego con uno sfondo di prati verdi, station wagon e abbottonatura Brooks Brothers, la cui proprietà sessuale è gradualmente diminuita da un atto incestuoso fratello-sorella desideroso di iniziarlo a i giochi bohémien della loro rivoluzione sessuale non convenzionale. È tanto un film sul cinema quanto sulla copulazione. Poiché i riferimenti del trio ipersessuale alle esperienze della vita sono tutti limitati alle scene dei film che hanno visto sullo schermo, Bertolucci taglia i filmati di Chaplin, Garbo in Queen Christina, Fred e Ginger e, naturalmente, la prima impressione indelebile di ogni americano di Paris-Jean Seberg vende l'International Herald Tribune in Rue l'Opera in Breathless. Matthew si immerge in un'esistenza secolare di incestuosa decadenza, abbandonandosi a ogni esperimento sessuale con totale resa, fino a quando le avventure nelle strade dilaniate dalla sommossa all'esterno superano i risvegli nei letti all'interno, e la strada verso la maturità e la scoperta di sé finisce in separazione. Matthew si rende finalmente conto che c'è di più nella vita oltre agli orgasmi di genere non specifici. La domanda posta è: che ne dici di un sequel, in cui mette alla prova la sua trasformazione arrapata sotto le palme di San Diego?
C'è un sacco di sesso, ma la maggior parte è tenue e nessuno è molto pulsante. Gli attori sono quasi rossi per un'ondata di imbarazzo, e con l'eccezione di Eva Green, che geme con lussuria simulata come una regina del porno, nessuno sembra essere molto eccitato. Il signor Pitt, un attore di Brooklyn estremamente imbarazzante con i capelli color grano e le labbra gonfie, scopre il sedere e il johnson, ma è troppo magro e lezioso per avere la febbre. L'atelier barocco parigino in cui la giovinezza mette in scena le sue fantasie conferisce al film una qualità amabile e smorzata che raramente si avventura alla luce del giorno, ma questo è un soggetto miope che Bertolucci non riesce ad estendere del tutto oltre la sua visione personale. Il clima politico francese del 1968 non è un argomento di cui molte persone sono curiose nel 2004, e il sesso non è più erotico di Janet Jackson al Super Bowl. È un film sulla giovinezza e la passione che sembra vecchio e senza passione.
Can Can Can!
Can-Can, i primi Encore! produzione del 2004, ha sfatato il mito che questa popolare serie di versioni da concerto in scena di vecchi musical di Broadway sia sopravvissuta alla sua utilità e popolarità. Non lo sapresti dalle urla di approvazione che rimbalzano sulle travi del balcone del centro città. Una domanda, tuttavia, assilla. Lo scopo originale di Encores! 10 anni fa doveva riprendere spettacoli che nessuno vedeva da anni, montato senza scene o costumi, con l'intero cast che trasportava libri e libretti in mano e interpretava partiture trascurate, spesso dimenticate, degne di una seconda occhiata. Il Can-Can schiumoso ma vacuo di Cole Porter è idoneo? Forse non si è visto molto da quando è uscito nel 1953 con recensioni decisamente contrastanti, con un cast che comprendeva Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon e Hans Conried, ma è andato in onda per due anni e ha vinto Tony Awards per Gwen Verdon e la coreografia di Michael Kidd, quindi chi lo chiamerebbe oscuro? E possiamo andare ai nostri rispettivi angoli del ring in questo momento e uscire a litigare sul fatto che sia degno o meno di essere messo in scena di nuovo. Il libro di Abe Burrows è sempre stato piatto, ma in 50 anni sono cresciuti i capelli. E nonostante la loro resistenza nel tempo, canzoni di successo come I Love Paris, C'est Magnifique e It's All Right with Me sono sempre state tra le mie voci meno preferite nel catalogo di Cole Porter. Inoltre, trovo Michael Nouri un salmone di cipresso, e sono sempre stato completamente allergico allo stridio di Patti LuPone.
Detto questo, ora devo addentare una grossa fetta di umile torta e ammettere che mi sono divertito molto al Can-Can. La trama unidimensionale di una battaglia che si trasforma in una storia d'amore tra un giudice teso di nome Aristide, che giura di sostenere le leggi sulla censura del 1893 vietando tutte le suggestive esibizioni pubbliche di danza che potrebbero incoraggiare o coltivare gli istinti di base dei parigini cattivi, e l'impertinente La Mome Pistache, proprietario del famigerato cabaret Bal du Paradis a Montmartre, dove il can-can illegale è un'attrazione notturna, è usa e getta come sempre. Tutto porta al processo, dove in aula, solo una cosa cambierà la legge, influenzerà la giuria e scioglierà i cuori di ghiaccio dei giudici: Portate il can-can! È banale indescrivibile, con una quadriglia invadente, il balletto del Giardino dell'Eden e la danza apache torcia che erano tutti semplicemente superficiali. Ma c'erano anche alcuni innegabili piaceri: la trama della seconda banana su Boris, un artista bulgaro pomposo e affamato, e la sua longeva fidanzata Claudine, una ballerina di can-can, è stata enormemente rafforzata dall'affascinante Reg Rogers e dal libidinoso , Charlotte d'Amboise dalle gambe lunghe. E come la formosa Pistache, Patti LuPone ha finalmente trovato un ruolo che riempisse la sua voce e il suo corsetto. Era la peggiore Annie Oakley che abbia mai visto, e come sfortunato Reno Sweeney in Anything Goes, non riuscivo a capire una parola che diceva (o cantava). Ma in Can-Can era una cupcake belle époque che possedeva il palco. Il suo canto si elevava senza essere metallico o piatto, la sua recitazione salata convinta senza essere tagliente o tagliente. Ogni volta che aspettava dietro le quinte, potevi sentire il pubblico perdere l'attenzione. Quando tornò, a grandi passi ma non stridenti, tutti si misero sull'attenti, pronti a salutare. Questa è una produzione taglia e incolla, diretta professionalmente da Lonny Price, di uno spettacolo che posso facilmente consigliare, nei testi di Cole Porter, di allez-vous-en. Non voglio mai più vedere o ascoltare Can-Can, ma come rara vetrina per mettere in luce le migliori qualità di Patti LuPone, il titolo della canzone C'est Magnifique è diventato sorprendentemente vero.
